Der Text wurde für die Ausstellung „St. Petersburg in den Werken deutscher Fotografen des 19. Jahrhunderts“ verfasst, die dieser Tage im Museum für Geschichte von St. Petersburg stattfindet und wenig bekannte einzigartige Fotografien aus dem 19. Jahrhundert präsentiert Jahrhundert von Fotografen-Einwanderern aus deutschen Ländern: Karl Bulla, Karl Doutendey, Alfred Lawrence, Albert Felich. Die Arbeiten dieser vier deutschen Fotografen, die in unterschiedlichen fotografischen Genres arbeiteten: Porträt-, Landschafts- und Reportagefotografie, vermitteln ein recht umfassendes Bild des Lebens in der Reichshauptstadt des 19. Jahrhunderts. Die Ausstellung kann bis zum 14. Januar 2015 besichtigt werden (St. Petersburg, Peter-und-Paul-Festung, Ausstellungshalle von Ioannovsky Ravelin).

Nach der Veröffentlichung von Daguerres Erfindung im Sommer 1839, zunächst in Paris und dann außerhalb Frankreichs, begann eine regelrechte Daguerreotypomanie. Schließlich stellte Akademiemitglied Arago maßgeblich fest, dass erstens „... die Erfindung nicht zu denen gehört, die durch ein Patent geschützt werden können“, und zweitens: „Sobald sie veröffentlicht wird, kann sie jeder nutzen.“ Der ungeschickteste Tester dieser Methode wird in der Lage sein, die gleichen Zeichnungen anzufertigen wie der geschickteste Künstler. Unter dem Gesichtspunkt der Einfachheit beim Fotografieren enthält die Daguerreotypie keine einzige Technik, die nicht von irgendjemandem durchgeführt werden könnte. Es erfordert absolut keine zeichnerischen Fähigkeiten und keine besondere Geschicklichkeit. Wenn man sich strikt an bestimmte, sehr einfache und wenige Regeln hält, gibt es keinen einzigen Menschen, der nicht mit der gleichen Sicherheit eine Daguerreotypie anfertigen könnte und genauso gut fotografiert wie Herr Daguerre selbst.“ Scharen von Menschen versammelten sich in den Pariser Vitrinen, die Beispiele für „monochrome Reflexionen in Rahmen“ zeigten, und die unternehmungslustigsten Bürger, die schnell erkannten, dass diese einfache Aufgabe gewinnbringend sein könnte, beeilten sich, Werkzeuge für eine neue Art des Zeichnens zu besorgen. Der Zeitgeist, der in Paris herrschte – der Geist des Unternehmertums und des Handels – drängte die ersten Fotografen über die Grenzen Frankreichs hinaus, und bald zogen sie in Städte und Dörfer, um die Welt mit Spiegeln zu überraschen, die „das Spiegelbild einer bestimmten Figur“ bewahren in Abwesenheit dieser Figur“ (Viollet de Luc). In seinem klassischen Aufsatz „Paris, die Hauptstadt des 19. Jahrhunderts“ argumentierte der deutsche Philosoph Walter Benjamin, dass der Aufstieg der Fotografie im ersten Jahrzehnt auf die Tatsache zurückzuführen sei, dass „die Fotografen Mitglieder der kulturellen Avantgarde waren, die einen Großteil davon lieferte.“ ihre Kundschaft.“ Versuchen wir, die Wahrheit dieser Worte am Beispiel der Fotografiepioniere Karl Doutendey, Albert Lawrence, Alfred Felisch und Karl Bulla zu überprüfen, die aus deutschen Landen nach St. Petersburg zogen.

Carl Dauthendey / Carl Dauthendey

Carl Albert Doutendey wurde am 1. November 1819 in der Stadt Aschersleben (Sachsen-Anhalt) in der Familie von Heinrich Salomon Doutendey und Johanna Dorothea Happach geboren. Im Alter von vierzehn Jahren erhielt er den Auftrag, das Handwerk eines Optiker-Mechanikers in Magdeburg zu erlernen, und im Alter von 20 Jahren begann der Student eine Lehre an der renommierten optischen Hochschule Taubert in Leipzig. Hier änderte er zwei Jahre später seinen Lebensweg entscheidend und entschied sich für den neuen Beruf des Daguerreotypisten. So ist es passiert. Im Jahr 1841 erschien ein gewisser französischer Reisender mit seiner Camera Obscura in Leipzig. Ein Besuchshändler, der dem örtlichen Besitzer des optischen Instituts mehrere Daguerreotypien gezeigt hatte, verkaufte ihm sofort sein Instrument. Der Deal kam zustande, doch schnell wurde klar, dass der Optiker weniger eine „dunkle Kiste“ als vielmehr eine „Katze im Sack“ erworben hatte, da es keine klare Anleitung für die Erstellung von Bildern mit der Kamera gab. Dem Optiker gelang es nicht, und die „Pariser Täuschung“ wurde in den Keller verbannt. Doch Karl Doutendey, der als sein Lehrling arbeitete, fing Feuer und sagte sich: „Da ist etwas drin“, borgte sich Geld, kaufte die Kiste und begann in seiner Freizeit zu experimentieren, um selbstständig das „Daguerre-Geheimnis“ zu meistern. Sein erstes Atelier war ein Garten und seine ersten Modelle waren ein Gärtner, eine Magd und ein Soldat. Nach einiger Zeit war die Sache schließlich von Erfolg gekrönt und auf der versilberten Kupferplatte erschien ein kleines Dreieck – der Ausschnitt des Kleides am Hals der Magd. „Eureka“, rief der frischgebackene Fotograf, „ich habe es geschafft.“ Ungefähr so ​​beschreibt sein Sohn Max in seinem biografischen Buch den Beginn der Karriere des „ersten Fotografen auf deutschem Boden“ Karl Doutendey.

Weitere Ereignisse entwickelten sich wie folgt. Im Mai des folgenden Jahres 1842 demonstrierte Doutendey auf der berühmten Leipziger Messe seinen Erfolg bei der Herstellung von Daguerreotypien, woraufhin sich die Nachricht von der neuen visuellen Technik in ganz Deutschland verbreitete. Bald wurde der Pionier ins Herzogtum Anhalt-Dessau eingeladen, um die gekrönten Personen zu fotografieren. Nachdem er den Herzog von Dessau und seine gesamte Familie erfolgreich mit einer Daguerreotypie fotografiert hatte, bewaffnete sich der 23-jährige Fotograf mit einem Empfehlungsschreiben der Herzogin (einer Verwandten der russischen Kaiserin) und machte sich im Oktober 1843 auf den Weg, die Hauptstadt zu erobern des Russischen Reiches. Es stellte sich jedoch heraus, dass nicht alles so einfach war. Trotz der Schirmherrschaft aus seiner Heimat gelang es ihm lange Zeit nicht, russische bürokratische Hürden und Schleudern ohne entsprechende Verbindungen und obligatorische Bestechungsgelder zu überwinden, und der Zugang zum Gericht war ihm verwehrt. P.M. sprach über seine ersten Prüfungen in Russland. Olkhin, in der Zukunft – ein berühmter „Fotograf“ und ein Verwandter des Fotografen. „Da der junge Mann weder die russische Sprache noch die örtlichen Gegebenheiten beherrschte und keine Bekannten hatte, mit denen er sich beraten konnte, befand er sich in einer sehr schwierigen Situation. Die Zeit verging und kleine Ersparnisse schmolzen dahin, und so begann Doutendey sogar, sich nach der Kaufmethode und dem Preis von Schwarzbrot zu erkundigen, damit er durch den Verzehr davon länger leben konnte.“ Schließlich, so Olkhin, sei es zu einem eher zufälligen Treffen mit einem sympathischen St. Petersburger gekommen, der dem Besucher mit Geld geholfen und sich um die Formalitäten zur Eröffnung eines Fotolokals gekümmert habe. (Aller Wahrscheinlichkeit nach war es Rabbi Olshwang). Auf die eine oder andere Weise berichteten St. Petersburger Zeitungen im Januar 1844 der Öffentlichkeit von „Daguerrochimegraphie oder Daguerreotypie-Porträts in Farbe“, die im „Atelier von Karl Doutendey aus Berlin“ in der Bolschaja-Konjuschennaja-Straße in Forstroms Haus angefertigt wurden. Das Atelier begann Erfolg zu haben, aber das Daguerreotypie-Porträt wurde nur in einer Kopie veröffentlicht, und um das Geschäft auszubauen, war eine andere Technologie erforderlich – eine, die die Verbreitung sicherstellen konnte. Das Verfahren, Fotos auf einem Papiernegativ zu machen und dann positive Kopien in beliebig vielen Mengen zu drucken – die Kalotypie – wurde bereits 1839 in England von Fox Talbot vorgeschlagen, war jedoch durch Patente geschützt. Doutendeys Versuche, die Kalotypie auf eigene Faust zu beherrschen und dabei den unvollständigen Anweisungen des Engländers zu folgen, blieben erfolglos, und im Februar 1847 ging er nach Leipzig, um die Innovation zu meistern, in das Atelier seiner Kollegen Eduard und Bertha Weinert.

Am 3. Januar 1848 erschien in der Zeitung „St. Petersburg Wedomosti“ eine Ankündigung: „...Ich habe die Ehre, dem angesehensten Publikum und den Kunstliebhabern mitzuteilen, dass ich eine neue Art von Daguerreotypie-Porträts anfertige – nämlich viel besser als gewöhnliche auf Metallplatten hergestellte. Hier liegt die Überlegenheit der neuen Daguerreotypien: 1) Bei diesen neu erfundenen Porträts wird die fotografierte Person in der richtigen Position dargestellt, sodass alle Accessoires, zum Beispiel militärische Schwerter und Orden, an ihrer Stelle sichtbar sind. Dadurch erhöht sich natürlich die Ähnlichkeit. 2) Ein solches Porträt auf Papier kann in einer beliebigen Anzahl von Kopien geliefert werden, und Kopien kosten viel weniger als das erste Foto. Da ich über das Originalporträt verfüge, kann ich auf Wunsch der Jäger jederzeit Kopien anfertigen. 3) Ich male diese Porträts auch auf Papier, die mit einer Vielzahl von Farben wie wunderschöne Aquarelle aussehen und von allen Seiten sichtbar sind, was bei gewöhnlichen Daguerreotypien unbequem ist.<…>Das mir entgegengebrachte Vertrauen und Lob des angesehensten Publikums und die wiederholte Zustimmung lokaler Zeitschriften zu Verbesserungen meiner Porträts lassen mich auf zahlreiche Besuche und die Gunst der Amateure hoffen.<…>Die Porträtaufnahmen dauern nicht länger als 5-30 Sekunden und finden täglich bei jedem Wetter von 10 bis 15 Uhr statt. Meine Werkstatt, die ich inzwischen deutlich vergrößert habe, befindet sich in der Bolshaya Konyushennaya 4. Straße, schräg gegenüber der finnischen Kirche im Koshansky-Haus Nr. 16.“ Die Hoffnungen des Meisters waren berechtigt. Familienlegenden zufolge bestellte eine dem Hof ​​​​von Nikolaus I. nahestehende Person bei Doutendey ein Album mit mehr als 60 Porträts berühmter Persönlichkeiten aus dem Gefolge des Zaren, woraufhin „die Menge der ankommenden und abfahrenden Kutschen vor dem Atelier seines Vaters so groß war.“ Eine Woche lang musste die Polizei eingreifen. Zwanzig Künstler wurden engagiert, um die Bilder zu kolorieren“, schreibt Max Doutendey. Von diesem Moment an entstanden Verbindungen und der Erfolg stellte sich ein. Der berühmte Meister signierte und nummerierte seine Fotografien sorgfältig, und anhand dieser Autogramme können wir den Umfang der Aktivitäten des Ateliers in der Konjuschennaja-Straße beurteilen. Im Museumsreservat „Muranovo Estate“ der Region Moskau, benannt nach F.I. Tjutschew ist ein Porträt des Dichters erhalten geblieben, das Dautendey um 1850 auf einer Kalotypie angefertigt hatte. Unter dem Bild befindet sich das Autogramm des Lichtmalers und die Bestellnummer – 5017. Die Zahl ist beeindruckend!

Im Januar 1852 informierte die Zeitschrift Pantheon ihre Leser: „Die Fotografie oder Lichtmalerei auf Papier gehört bekanntlich zu den wichtigsten Neuentdeckungen. Es wurde von Talbot, einem Verbesserer der Daguerreotypie, erfunden und hat den Vorteil, Porträts aus dem Leben mithilfe von Sonnenlicht auf Papier zu bringen: Die Ähnlichkeit ist verblüffend, was kein Künstlerpinsel erreichen kann, und außerdem verblasst das Bild nie oder verblasst nicht in gewöhnlichen Daguerreotypien. Bilder. Wir haben in St. Petersburg einen hervorragenden Fotokünstler, Herrn Doutendey, einen Schüler von Talbot, einen gebürtigen Engländer.“ Die Passagen in den Zeitungen „... from Berlin“ und „born English“ sind natürlich kein Fehler oder Zufall: Die Werbung wurde unter Berücksichtigung der Mentalität der lokalen Öffentlichkeit präsentiert. Aus den strengeren „Statistischen Informationen über die Fabriken und Fabriken der Aussteller, die auf der Manufakturausstellung 1861 Auszeichnungen erhielten“ kennen wir die letzte St. Petersburger Adresse des Fotografen: „Dautenday Karl, preußischer Untertan, Fotograf. Die fotografische Einrichtung befindet sich in St. Petersburg am Newski-Prospekt, im Haus Nr. 58, gegründet 1843. Die Arbeiten werden mit fünf Geräten durchgeführt.“ Zu dieser Zeit fertigte er, wie alle Fotografen, Porträts mit der neuen „Nasskollodium-Technologie“ an.

Auch das Privatleben des Maestro in Russland war nicht einfach. Nach einem Jahr seines Aufenthalts in St. Petersburg heiratete der Daguerreotypist 1844 die Tochter eines Rabbiners, Anna Olshvang, die ihm zunächst ein Mädchen und einen Jungen gebar, die früh starben, und dann vier weitere Töchter. Anna, die an einer Wochenbettdepression litt, beging 1855 Selbstmord. Karl Doutendey heiratete 1855 zum zweiten Mal Charlotte Caroline Friedrich, die Tochter deutscher Kolonisten, die zu Zeiten Peters des Großen aus Süddeutschland nach Russland zogen. Im Jahr 1860 bekamen Karl und Charlotte Caroline einen Sohn, Caspar. 1862 verließ Karl Doutendey mit seiner Familie Russland und ließ sich in Deutschland in Würzburg nieder, wo er zwei Jahre später, im Alter von 48 Jahren, im Hauptviertel in der Burgergasse 2 ein neues Atelier gründete. Hier wurde 1867 sein zweiter Sohn Maximilian geboren , wurde geboren. 1876 ​​errichtete der frischverwitwete Meister in der Kaiserstraße 9 ein eindrucksvolles Wohn- und Geschäftshaus mit zwei Ateliers und einer Werkstatt, in der er weiterhin mit Lithografien und dem Farbverfahren experimentierte. Für seine innovativen Entdeckungen auf diesen Gebieten erhielt der Erfinder Auszeichnungen in Philadelphia und Wien.

Carl Albert Doutendey, „der erste Fotograf auf deutschem Boden“, starb am 5. September 1896 im bayerischen Würzburg im Alter von 76 Jahren. So erfolgreich der Unternehmer Karl Doutendey auch war, seine Hoffnungen, dass seine Söhne das Unternehmen weiterführen würden, erfüllten sich nicht. Der älteste Sohn Kaspar, geboren in St. Petersburg, erschoss sich 1875 in Philadelphia bei einem Krankheitsanfall. Der Jüngere, Maximilian, wurde ein berühmter Künstler und Dichter. Max Douttenday schrieb 1912 das Buch „The Spirit of My Father“, in dem er das Leben seines Pioniervaters voller Höhen und Tiefen farbenfroh beschrieb.

Alfred Laurens / Alfred Lorens

„Erster Fotograf“ – so sprach der Pionier der russischen wissenschaftlichen Fotografie, Herausgeber der Zeitschrift „Photographer“ V. I. Sreznevsky 1882 über Alfred Lawrence. Leider hat uns die Geschichte nur sehr wenige Informationen über den einst berühmten St. Petersburger Meister der ersten Jahrzehnte der Entwicklung der Fotografie gebracht. Als Experte für die Geschichte der russischen Fotografie konnte man Sreznevsky beim Wort nehmen, aber die uns vorliegenden Fakten, wenn auch nur wenige, deuten darauf hin, dass Lawrences Fotostudio in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in St. Petersburg einen wohlverdienten Erfolg hatte und darüber hinaus.

Im historischen und statistischen Führer „St. Petersburg in voller Sicht“, der 1874 von V. O. Mikhnevich zusammengestellt wurde, heißt es, dass das Fotounternehmen Lawrence seine Tätigkeit in St. Petersburg im Jahr 1855 aufnahm. Aus den im Russischen Staatlichen Historischen Archiv (RGIA) aufbewahrten Materialien geht jedoch ein anderes Datum hervor. Aus ihnen geht hervor, dass der Fotograf Lawrence 1862 „im Bosse-Haus am Newski-Prospekt lebte“ und im selben Jahr eine neue Wohnung in der Bolschaja-Morskaja-Straße kaufte. In diesem Haus an der Ecke Bolshaya Morskaya und Brick Lanes befand sich damals die Diözesanvormundschaft für den armen Klerus. Im April 1862 wandte sich Lawrence an die Behörden mit der Bitte, ihm die Errichtung einer Fotoeinrichtung in seiner neuen Wohnung zu gestatten. Mit Zustimmung der Vormundschaft wurde über der Wohnung eine sogenannte „Fotolichtlaterne“ angebracht und am Eingang ein gusseiserner Regenschirm aufgestellt. Gleichzeitig stellte der Oberverwalter, Erzpriester Kononov, eine Bedingung an den Mieter: „Wenn sich am Ende der Vermietung der genannten Wohnung für die genannte Einrichtung herausstellt, dass das Glasdach nicht erforderlich ist, müssen Sie dies akzeptieren.“ Ich habe es auf eigene Kosten geschafft, dieses Dach in ein gewöhnliches Dach umzuwandeln.“ Bis heute ist auch ein Foto im „Visit“-Format erhalten, auf dessen Rückseite der Text in französischer Sprache abgedruckt ist: „A. Lawrence, B. Morskaya, Ecke Kirpichny Lane, Nr. 13, St. Petersburg“ und ein Autogramm aus dem Jahr 1863.

Anscheinend entsprachen die von Lawrence angefertigten Porträts dem Geschmack der Einwohner von St. Petersburg, das Geschäft lief gut und bald beschloss der Fotograf, an einen prestigeträchtigeren Ort zu ziehen. Im Jahr 1867 wurde das Atelier zum Newski-Prospekt zwischen den Plätzen Malaya Morskaya und Admiralteyskaya in das Haus des Architekturakademikers G. A. Bosse (Newski-Prospekt, Nr. 5) verlegt. Zu diesem Zweck wurde im Gebäudeflügel ein besonderer Pavillon errichtet. Die RGIA bewahrte die Petition des Hausbesitzers auf, die am 23. Februar 1867 beim Vorstand des 1. Kommunikationsbezirks eingereicht wurde. „Architekt Bosse. Petition. Ich möchte im Haus der Stadt Bosse, bestehend aus dem Admiralitätsteil des 1. Grundstücks am Newski-Prospekt, einen Fotopavillon errichten, wie in den Plänen unter dem Buchstaben „A“ dargestellt, und habe die Ehre, den Vorstand demütig darum zu bitten des 1. Bezirks, mir die oben genannte Arbeit zu gestatten... Reichen Sie eine Petition ein und erhalten Sie eine Kopie des Plans. Ich vertraue Herrn Alfred Lawrence, vertreten durch den amtierenden Staatsrat Harald Ernestovich Bosse. Arthur Bosse. Am 7. April desselben Jahres wurde vom Vizedirektor der Wasserkommunikationsabteilung „die höchste genehmigte Fassade für den Überbau des Fotopavillons am Haus des Architekten Bosse“ unterzeichnet.

Von den 1850er bis zu den frühen 1880er Jahren war das sogenannte „Nasskollodiumverfahren“ nach der Methode von Archer die vorherrschende Lichtmaltechnik in der fotografischen Praxis und ersetzte die Daguerreotypie. Die Komplexität der Methode, die vom Fotografen ein gewisses Maß an Chemie- und Physikkenntnissen, viel Erfahrung, Geschicklichkeit und Aufmerksamkeit erforderte, machte die Fotografie zur Domäne von Profis, die hauptsächlich in stationären Studios arbeiteten. Der Aufnahmevorgang war zunächst sehr komplex und langwierig und erforderte sowohl vom Fotografen als auch vom Kunden Konzentration und große Geduld. Trotz der Schwierigkeiten waren nach Ansicht einiger Experten bis zu 95 % der damals hergestellten Fotoprodukte Porträts. Besonders beliebt war das Format „Besuch“ und seit 1866 das Format „Büro“.

Die Ära des Nasskollodiums war von einer Reihe ungelöster technischer Probleme geprägt. Fotografen waren gezwungen, fast alle Fotomaterialien selbst herzustellen. Die Aufnahme musste unmittelbar nach der Vorbereitung absolut sauberer Glasplatten erfolgen, während die aufgetragene lichtempfindliche Schicht noch feucht war (daher der Name des Verfahrens). Nach der Belichtung war es notwendig, die Platte ohne Verzögerung oder Pause zwischen den einzelnen Arbeitsgängen chemisch zu behandeln. Es musste sichergestellt werden, dass das entstehende Bild die richtige Sättigung erhält, da es unmöglich war, die Dauer aller Phasen des Prozesses zu kennen. Jedes Kollodiumnegativ wies Spuren individueller Bearbeitung auf, deren Einzelheiten von den Fotografen geheim gehalten wurden. Alle damaligen Arbeiten verliefen empirisch durch Versuch und Irrtum. Zudem war der Fotograf auf ein Dunkellabor angewiesen, das sich in unmittelbarer Nähe zum Aufnahmeort befinden musste. Daher trauten sich nur wenige, mit einer Kamera ins Freie zu gehen. Bei Arbeiten im Freien musste das Labor spontan improvisieren – ein dunkles Zelt mitnehmen oder einen Wagen in eine dunkle Kammer verwandeln.

Allerdings brauchte St. Petersburg eine visuelle Darstellung, und Lawrence war einer der ersten in der Hauptstadt, der auf seinen Straßen und Plätzen fotografierte und dabei die Erfahrung der Bildtradition mit der intuitiven Nutzung der Möglichkeiten der Lichtmalerei verband. Die Komplexität der Produktion machte Fotografien immer noch recht teuer, aber im Vergleich zu traditionellen visuellen Techniken – Malerei, Gravur, Lithographie usw. — Sie standen bereits einem breiteren Kundenkreis zur Verfügung.

Im Jahr 1870 nahm Alfred Lawrence an der nächsten 14. Allrussischen Fertigungsausstellung teil. Fotografien und Fotozubehör wurden in der siebten Abteilung „Pädagogische und künstlerische Fächer in Bezug auf die Industrie“ in den Klassen 39 und 40 ausgestellt. Wie auch in anderen Abteilungen und Klassen erhielten die „Fächer der Fotografie-Abteilung“ in fünf Kategorien vorbildliche Auszeichnungen. Die Teilnehmer wurden von Fachgremien für Auszeichnungen nominiert. Der Experte für den fotografischen Teil der Ausstellung von 1870 war S. L. Levitsky, ein Fotograf mit europäischem Namen, seit 1864 Mitglied der Pariser Fotografischen Gesellschaft, der bereits mehrfach auf internationalen und nationalen Ausstellungen zum Experten für Lichtmalerei gewählt worden war . „Der Zweck und die gesamte Zukunft der Fotografie liegt in ihrer umfassendsten Anwendung zur Verbreitung korrekter, eindeutiger, aber zugleich öffentlich zugänglicher Fotografien von allem, was in wissenschaftlichen, künstlerischen und industriellen Beziehungen für die Gesellschaft von Interesse sein kann“, mit Mit diesen Worten leitete Levitsky seinen Bericht auf der Ausschusssitzung ein und erläuterte, aus welchem ​​Blickwinkel man die präsentierten Exponate betrachten sollte. Levitsky skizzierte den zweitwichtigsten Tätigkeitsbereich für Fotografen und ging weiter zu Fotografien, „die dazu dienen, Ansichten von Innenräumen, Denkmälern der Antike und Kunst einzufangen“. Gleichzeitig argumentierte er, dass „diese Anwendung historisch, künstlerisch und schließlich industriell wichtiger ist als die Porträtproduktion.“ Ein Porträtfotograf arbeitet größtenteils zu Hause in praktisch eingerichteten Werkstätten; Arbeitsaufwand und die damit verbundenen Kosten werden sofort bezahlt, während die Entfernung von Arten mit ständiger Bewegung von Ort zu Ort zuverlässigere Methoden, Materialkosten und oft einen großen Zeitverlust erfordert.“ In einem detaillierten Rückblick auf die Fotoausstellung bemerkte Levitsky: „Lorenz stellte eine Sammlung von Ansichten von St. Petersburg und der Umgebung in einer kleinen, öffentlich zugänglichen Größe aus (50 Kopeken pro Ansicht); im Hinblick auf Reinheit, ausgeprägte Vollständigkeit lässt es nicht zu, dass man sich etwas Besseres wünscht.“ Und dann kommen wir zu den Porträts: „In den von Herrn Lawrence, einem Fotografen in St. Petersburg, ausgestellten Werken gibt es neben den oben genannten Ansichten mehrere Porträts, die besondere Aufmerksamkeit verdienen; Trotz der kräftigen und sehr effektiven Beleuchtung verfiel Mr. Lawrence nicht in unnötige Kontraste – das Bild ist satt und deutlich sowohl in starken Schatten als auch an hellen Stellen; Generell sehen wir in den Werken von Herrn Lawrence eine gewissenhafte, sorgfältige Ausführung, so wie wir echte Fotografie verstehen.“

Am 25. Juni genehmigte der Finanzminister die „Liste der lobenswerten Auszeichnungen für die Allrussische Fertigungsausstellung von 1870 in St. Petersburg“. Für „einwandfreie und gewissenhafte Ausführung sowohl der Porträts als auch der Ansichten“ wurde Alfred Lawrence mit einer Silbermedaille ausgezeichnet. Dies bedeutete sowohl öffentliche Anerkennung als auch höhere Preise für die Produkte des Unternehmens. Nicht umsonst zählte Michhnewitsch einige Jahre später in dem bereits erwähnten Reiseführer Lawrences Atelier zu den sechs „berühmtesten Firmen“. Michnewitsch schrieb dort: „Im Allgemeinen sind alle Fotografien in St. Petersburg. 110, und diese Kunst hat derzeit viele hervorragende Künstler unter St. Petersburger Fotografen. Der Wettbewerb hat die Fotografie nun für jedermann zugänglich gemacht. Auf mittelmäßigen Fotos kann man ein Dutzend Karten für 75.000 und einen Rubel nehmen; selbst in den besten Exemplaren kostet es nicht mehr als 3-4 Rubel.“ Das Einkommen von Lawrences Atelier wurde in den 1870er Jahren auf 15.000 Rubel pro Jahr geschätzt. In St. Petersburg erzielten nur die Hoffotografen K. I. Bergamasko, S. L. Levitsky und G. I. Denier höhere Gewinne.

Der von Albert Lawrence herausgegebene Katalog der Landschaftsfotografien umfasst 106 Perspektiven, Panoramen, Paläste und andere wichtige Gebäude, Kirchen, Denkmäler und Brücken von St. Petersburg. Es enthält außerdem 55 Ansichten der „Perlenkette“ der nördlichen Hauptstadt Peterhof, Zarskoje Selo und Pawlowsk. Der Meister ignorierte nicht die Lieblingsorte der Feierlichkeiten der Einwohner von St. Petersburg und fotografierte 14 Szenen in der Nähe des Black River, der Krestovsky- und Kamenny-Inseln. Das umfangreiche ikonografische Erbe von Alfred Lawrence ist über zahlreiche öffentliche und private Sammlungen in Russland und im Ausland verstreut und wurde unseres Wissens nie vollständig untersucht.

Wir kennen weder das Geburtsjahr und den Geburtsort des in St. Petersburg tätigen Meisters noch das Jahr und den Ort seines Todes. In den 1870er Jahren erschien auf den Formularen der Fotowerkstatt Alfred Lawrence eine neue Adresse „Newski-Prospekt-Haus Nr. 4“. Neben der Medaille von 1870 wurden Fotografien mit dieser Adresse auch mit dem persischen Orden des Löwen und der Sonne geziert. Laut einer Studie über Porträtstudios in St. Petersburg, die vom Sammler Yu. N. Sergeev durchgeführt und im Buch „Photos for Memory. „Fotografen des Newski-Prospekts“ arbeitete in den 1870er und 1880er Jahren sein Sohn Eduard Albertovich Lawrence zusammen mit seinem Vater in der Firma.

Das ist vielleicht alles, was man heute über den „primären“ Fotografen Alfred Lawrence und sein Unternehmen sagen kann.

Albert Felisch

Anfang 1866 beschloss der deutsche Landvermesser Albert Felisch, der die Fotografie liebte, sein Leben radikal zu ändern und sich sowohl für einen neuen Beruf als auch für einen neuen Einsatzbereich seiner Talente zu entscheiden. Im Alter von 27 Jahren kam ein Fan der Lichtmalerei aus Deutschland nach St. Petersburg, wo er im Haus 7/36 an der Ecke Bolshaya Meshchanskaya und Demidov Lane sein eigenes Fotostudio eröffnete. Bald war der Siedler davon überzeugt, dass sein ursprünglicher Plan, ein erfolgreicher Porträtmaler in der Reichshauptstadt zu werden, nicht aufging. Zeitgenössischen Augenzeugen zufolge war der Newski-Prospekt in den 1860er Jahren eine kontinuierliche Ausstellung fotografischer Porträts, die in den Fenstern zahlreicher Fotostudios angebracht waren, die sich hier in fast jedem Haus befanden. Der harte Wettbewerb und die relative Distanz des neuen Unternehmens zu den Menschenströmen trugen also überhaupt nicht zum Erfolg seines Unternehmens bei. Nachdem er, wie man heute sagen würde, Marktforschung betrieben und schnell seine Nische im Fotogeschäft gefunden hatte, kam der junge Unternehmer zu dem Schluss, dass es notwendig sei, sich vom gemütlichen Aquarium des stationären Pavillons zu trennen und ins Freie zu gehen bieten Ausblicke auf die wunderschöne Stadt und die Innenräume ihrer Wahrzeichen. Seit Beginn der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts beschäftigten sich in St. Petersburg nur zwei Lichtmaler konsequent mit dieser Art von Filmen – Giovanni Bianchi und Alfred Lawrence. Bianchi begann sein beispielloses Epos der Darstellung von St. Petersburg im Jahr 1852 und seine großformatigen Veduten, die Ensembles, Paläste und Herrenhäuser des St. Petersburger Adels darstellten, waren für ein anspruchsvolles Publikum konzipiert und wurden von Lawrence durch die Veröffentlichung kleinformatiger Fotografien zum Verkauf hergestellt Landschaftsfotografie für die Öffentlichkeit zugänglich und bei Touristen massenhaft nachgefragt. Offensichtlich trauten sich nur wenige Einheimische, in diesen Genres zu arbeiten, aus Angst vor den unvermeidlichen Schwierigkeiten mit dem damals vorherrschenden Nasskollodiumverfahren.

Die Lichtmalerei-Technologie zu Felix‘ Zeiten unterschied sich deutlich von der Fotografie, wie wir sie heute kennen, wo jeder ohne zu zögern mit der Kamera dorthin geht, wohin er möchte. Im Zeitalter des Fotografierens auf nassen Kollodiumplatten war „die Herstellung von Negativen ... kein Vergnügen, sondern harte Arbeit.“ Eine dunkle Kiste oder ein dunkles Zelt, diverse Präparate und Flüssigkeiten, insbesondere beim Filmen auf größeren Platten, zwangen sie dazu, Träger und einen Karren für Lasttiere mitzunehmen. An jedem neuen Standort musste ich mich mit dem langweiligen und mühsamen Aufbau eines dunklen Zeltes auseinandersetzen, den Teller vorbereiten, ihn in ungemütlich beengten Verhältnissen entwickeln, das Geschirr spülen und schließlich das Zelt abbauen und für den Umzug wegräumen zu einem anderen Drehort. Zusätzlich zu diesen völlig unvermeidlichen Unannehmlichkeiten gab es noch verschiedene andere Schwierigkeiten, zum Beispiel die Unfähigkeit, einen Platz in der Nähe des Aufnahmeortes zu bekommen, Wassermangel usw. Heutzutage scheinen Fotografen ... die mit nassen Platten gearbeitet haben eine Art Märtyrer oder Helden, und wir können uns über ihre Selbstlosigkeit und Bescheidenheit in ihren Forderungen nur wundern, denn für all ihre Bemühungen wurden sie mit einer unbedeutenden Anzahl von Negativen belohnt. Tatsächlich nahm jede Aufnahme ein bis zwei Stunden Zeit in Anspruch, und nur unter sehr günstigen Bedingungen und aufwändiger Arbeit wurden pro Tag kaum ein halbes Dutzend Negative hergestellt, die an verschiedenen Orten aufgenommen wurden.“ Um bei Außenaufnahmen ein gutes Negativ zu erhalten, musste der Fotograf außerdem unter unvorhersehbaren Umständen darauf achten, dass die Platte „den Lichteindruck richtig wahrnimmt“ und ihn sofort entwickeln kann. „Ohne diese wird er bei der Entwicklung vor Ort nicht entscheiden können, ob er den Drehzeitpunkt richtig gewählt hat. Diese Beurteilung wird dadurch erschwert, dass es keine einheitlichen Regeln gibt, die für alle Lichtverhältnisse und Luftverhältnisse gelten.“ Nachdem er seinen Weg gefunden hatte, hatte der Enthusiast keine Angst vor Schwierigkeiten, und es stellte sich bald heraus, dass „seine Fotografien verschiedener Ansichten von St. Petersburg, sowohl einfache als auch stereoskopische, wohlverdienten Ruhm genossen und Gegenstand ständigen Verkaufs in Kunst und Kunst waren.“ Druckereien.“

Nach einiger Zeit wurden die Gewissenhaftigkeit, mit der der Meister die ihm anvertrauten Aufträge ausführte, die Anmut und die hervorragende Qualität der Fotografien nicht nur von Käufern, sondern auch im professionellen Umfeld anerkannt. Im Jahr 1870 nahm Felish an zwei Abteilungen der Allrussischen Manufakturausstellung teil – Chemie, wo er „in der Fotografie verwendete Chemikalien“ präsentierte, und Fotografie, wo er Ansichten und stereoskopische Fotografien ausstellte. Durch einen Beschluss des Fachausschusses der Fotoabteilung, der am 25. Juni vom Finanzminister genehmigt wurde, wurde Aussteller A. Felish für seine fotografische Arbeit mit der 5. Kategorie „Honorable Review“ ausgezeichnet. Darüber hinaus wurde Felish offizieller Fotograf dieser Ausstellung und fotografierte deren Pavillons und Ausstellungen.

Die Zeitschrift „World Illustration“ informierte über die zum Verkauf stehenden Fotografien der Manufakturausstellung: „60 Fotografien für Stereoskope zu je 30.000. 50 große Fotos 15-18 Zoll, je 2 Rubel. pro Stück, in großen Mengen produziert. Große Auswahl an Ansichten von St. Petersburg für Stereoskop und Karten. Komplette Sammlung von 150 Bildern. Den Händlern wird ein großes Zugeständnis gemacht. Ausstellungsfotograf A. Felish. Spezialist für Ansichten und Innenaufnahmen.“ In diesem Jahr befand sich die Werkstatt an einer neuen Adresse – im Haus Nr. 42 in der Bolshaya Morskaya, direkt neben dem Isaaksplatz. Der Jahresumsatz des Unternehmens betrug 10.000 Rubel, es beschäftigte 6 Leiharbeiter und seine Spezialisierung war laut Anzeige „Fotografische Ansichten und stereoskopische Bilder“. Im Winter desselben Jahres fotografierte Felish 20 große Gemälde von Aivazovsky, und Zeitgenossen betrachteten die daraus entstandenen Fotografien als eines der besten Reproduktionsbeispiele ihrer Zeit.

Zwei Jahre später, 1872, feierte Russland den 200. Geburtstag von Peter dem Großen. Основные торжества проходили в столице, и Фелиш, преодолевая технические проблемы, с азартом снимал праздничное убранство памятников и зданий, связанных с деятельностью императора, и, забравшись со своим оборудованием на кровлю здания Сената, запечатлел самое главное событие - молебен на Сенатской площади, состоявшийся 30 Mai. Am selben Tag wurde in Moskau die Polytechnische Ausstellung, die dem Jahrestag von Peter I. gewidmet war, in ihrer ganzen Pracht eröffnet. Sie nahm das gesamte Zentrum Moskaus ein: die Kremlgärten, das Moskwa-Ufer entlang des Kremls, den Platz im Kreml und Salzplatz auf Varvarka. In 62 Pavillons der Ausstellung lernten die Besucher drei Monate lang die Ausstellung kennen, die die industriellen, landwirtschaftlichen, militärischen, wissenschaftlichen, technischen und kulturellen Errungenschaften des Russischen Reiches präsentierte. In einem der Moskauer Pavillons wurden als Illustrationen zur Beschreibung der Internationalen Gartenbauausstellung sechs Fotografien von Felish im Format 24 x 30 cm ausgestellt, die seine Innenräume zeigen. (1869 fand in St. Petersburg eine Gartenausstellung statt, und er war der einzige Fotograf, der das Recht erhielt, sie zu fotografieren). Die herausragenden Qualitäten dieser Fotografien beeindruckten die Expertenkommission so sehr, dass der St. Petersburger Meister trotz der Abwesenheit des Autors unter den Ausstellern in der Fotoabteilung mit einer Auszeichnung ausgezeichnet wurde – einer großen Silbermedaille für Fotografien. Gleichzeitig wurde dem Fotografen „für verschiedene Fotografien in Peterhof und den Kaiserpalästen“ die höchste Dankbarkeit des Hofes Seiner Kaiserlichen Majestät verliehen.

Die vom Lichtmaler eingefangenen Ansichten von St. Petersburg und Peterhof wurden in mehreren Versionen verkauft. Am weitesten verbreitet waren die Verbreitungen auf Briefbögen in den sogenannten Formaten. „Porträtbüro“, „Besuch“ und „Stereoskop“. Ihre Zahl ist durchaus beachtlich, allein in den „Kabinetten“ wurden mehr als 300 Geschichten veröffentlicht. Darüber hinaus veröffentlichte er in Eigenregie ganze Erinnerungsalben mit Artenfotografien. Exemplare solcher Alben „St.Petersburg“ und „Peterhof“, ausgestattet mit der Aufschrift „Photographie und Selbstverlag v. A. Felisch in St.Petersburg“ auf dem Einband, sind in ausgezeichnetem Zustand in der französischen Nationalbibliothek erhalten.

Seit 1879 begann eine neue Periode in Albert Felishs Aktivitäten auf dem Gebiet der Fotografie, die seinen Namen als Pionier der russischen Fotoindustrie in die Geschichte der Fotografie einschrieb. In diesem Jahr begann der unermüdliche Enthusiast praktisch mit der Herstellung trockener Teller, zunächst mit Hausmitteln, und Ende des Jahres brachte er die erste Charge trockener Bromgelatine-Teller zum Verkauf. Ein Jahr später veröffentlichte Felish die erste separate Broschüre in russischer Sprache über die Emulsionsmethode für Fotografen, Amateure und Touristen, „Die Bromgelatine-Methode, ihre Bedeutung und Anwendung in der Fotografie“, die zum ersten Lehrbuch für russische Fotografen über die neue Lichtmalerei wurde Technologie. Im selben Jahr 1880 wurde A. Felishs „Erste russische Fabrik für Gelatineemulsionen und -platten“ in St. Petersburg am Newski-Prospekt Nr. 52 eröffnet, wo die Produktion unter der direkten Aufsicht von ihm und seinen beiden Söhnen stattfand. „A. E. Felish war energisch, kenntnisreich in seinem Geschäft und verfolgte stets alle Neuerungen bei der Herstellung von Schallplatten. Er erweiterte nach und nach seine Fabrik und verbesserte die Produktion. Bald fotografierten professionelle Fotografen und Amateurfotografen, die es zu diesem Zeitpunkt in ganz Russland geschafft hatte, auf Felishs Tellern zu fotografieren. Wenn man die Leidenschaft der Russen für alles Fremde und ihr Misstrauen gegenüber allem Russischen kennt, kann man verstehen, wie gut die Bilanz von Felish war, wenn es ihnen gelang, mit vollem Erfolg mit den ausländischen zu konkurrieren.“ Allmählich steigerte die Fabrik die Produktion und bis 1887 produzierte sie bis zu 50.000 Dutzend Schallplatten pro Jahr und beschäftigte 15 russische Arbeiter. Zu dieser Zeit befand es sich in der Bolshaya Italianskaya Straße Nr. 31. Die Produkte der Fabrik wurden wiederholt auf Fotoausstellungen ausgestellt und erhielten Auszeichnungen für die hohe Qualität der Fotoplatten. In den 1890er Jahren wurden in Russland mehrere Fabriken eröffnet, die ein ähnliches Sortiment herstellten. „Der Wettbewerb begann, die Preise für Schallplatten zu senken, oft auf Kosten der Qualität. A.E. Felish konnte sich mit dieser Entwicklung nicht abfinden und da er kein billiges, aber zwangsläufig schlechtes Produkt herstellen wollte, schloss er 1896 seine Fabrik.“

Beide Söhne von Felish waren seine Mitarbeiter und arbeiteten im Familienunternehmen bis zu dessen Schließung. Nach dem Tod seines Vaters arbeitete einer der Söhne, Ivan, ab 1898 in einem Geschäft, in dem er Fotozubehör an den Treuhänder von Joachim Ivanovich Steffen verkaufte, dem größten Verkäufer von Fotoausrüstung, Ausrüstung und Fotomaterial in Russland. Seit 1905 war er Chefredakteur der Zeitschrift Photographic News. Dieses Magazin entstand auf Initiative von N. E. Ermilov und I. A. Felish und wurde von der Firma „I. Steffen und Co. Felish war auch für den gesamten wirtschaftlichen und administrativen Teil des Verlagsgeschäfts verantwortlich. In den frühen 1920er Jahren (?) zog Ivan Felish nach Deutschland. Es ist bekannt, dass er 1925 als Leiter der Berliner Handelsniederlassung der Mimosa-Aktiengesellschaft (Fotopapierfabrik in Dresden) arbeitete und Vertreter des Allrussischen Fotografenverbandes für das Abonnement der Zeitschrift Photographer in Berlin war ( Johannes Felisch, Berlin-Tempelhof, Lindenhof, Marienstraße, 5). Und es ist auch bekannt, dass Ivan Albertovich Felish im Jahr 1929 Besitzer des Fotostudios „Foto-Felisch, Berlin, W-8, Taubenstr., 34“ war.

Carl Bulla / Carl Bulla

Karl Oswald (Karl Karlovich) Bulla wurde am 26. Februar 1855 in Preußen in der Provinz Leobschütz in eine Kaufmannsfamilie geboren. Um 1865 zogen die Eltern Karl Oswald Bulla und Mutter Anna (geb. Scheffler) zusammen mit ihrem zehnjährigen Sohn Karl nach St. Petersburg und beauftragten ihn mit der Arbeit in einem Unternehmen zur Herstellung und zum Verkauf von Fotozubehör. Hier begann der junge Bulla, die Grundlagen des Berufs zu erlernen, dem er, wie sich später herausstellte, sein ganzes Leben widmete.

Vielleicht zum ersten Mal wurde der Beiname „berühmt“ 1895 im Russian Photographic Journal eindeutig an den Fotografen Karl Karlovich Bulla gerichtet. Im Anhang Nr. 2 wurde das Foto „Wald“ mit der Begründung veröffentlicht: „Das Negativ wurde von unserem berühmten Fotografen und Hersteller K. K. Bulla angefertigt.“ Steingel-Objektiv, Weitwinkel (V-Serie), Blende f/7, selbstgebaute Platte ...“ Und weiter: „In letzter Zeit waren die Bromgelatineplatten des Labors von K. K. Bull ausgezeichnet, und wir bedauern außerordentlich, dass K. K. Bulla sein Labor gerade zu einem Zeitpunkt geschlossen hat, als er die Herstellung von Platten bereits zu einem gewissen Grad an Perfektion gebracht hatte ...“

Im Jahr dieser Veröffentlichung wurde er vierzig Jahre alt und gehörte zur Generation der Geborenen nach Erfindung der Lichtmalerei. Daher war die Fotografie für ihn eine Selbstverständlichkeit – seine Entwicklung fand zu einer Zeit statt, als das Wunder, Bilder „von der Sonne selbst gezeichnet“ zu erhalten, nicht mehr verblüffte und fest im Alltag und Bewusstsein vieler Menschen verankert war. Im Jahr 1895 verfügte er bereits über dreißig Jahre Berufserfahrung, wie man damals sagte, „in der Fotografie“. Wir wissen sehr wenig über diesen Lebensabschnitt von Karl Karlowitsch Bulla, aber er musste zweifellos mit dem Aufbau einer fotografischen Karriere in einem hart umkämpften Umfeld beginnen, das von einer Generation geborener Pioniere geschaffen wurde früher Fotos.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts glänzten Meister wie Karl Doutendey, Giovanni Bianchi, Ivan Alexandrovsky, Sergei Levitsky, Heinrich Denyer, William Carrick, Charles Bergamasco, Alfred Lawrence, Albert Felich (1837-1908) und andere Pioniere der Lichtmalerei in der Fotoszene der Hauptstadt. Sie waren es, die viele technische Probleme überwanden, die die Fotografie noch nicht gelöst hatte, Objektive und Kameras entwarfen, die Formulierung von Verarbeitungslösungen verbesserten, die ersten Lehrbücher schrieben, sich selbst studierten und anderen beibrachten, unter verschiedenen Bedingungen zu fotografieren, die angesichts der gegebenen Umstände unmöglich schienen der Stand der technologischen Entwicklung. Sie gewannen die ersten Goldmedaillen bei verschiedenen Ausstellungen und Wettbewerben und erhielten als erste die Titel „Fotograf der Akademie der Künste“, „Fotograf Ihrer kaiserlichen Majestäten“, „Fotograf der kaiserlichen Theater“ usw. Mit einem Wort: Sie arbeiteten für den Ruhm der Fotografie, indem sie ihr Anwendungsspektrum von der Wissenschaft auf die Kunst erweiterten und ihre spezifische Sprache entwickelten.

Ich denke, Karl Bulla hat in einem so brillanten Umfeld vollkommen verstanden, dass das Studio des jungen Fotografen in der Hauptstadt St. Petersburg nicht mit ernsthaftem Erfolg rechnen konnte, wenn es sich nur mit Porträtfotografie beschäftigte, und die Karriere eines gewöhnlichen Porträtfotografen, sowie die Karriere eines Künstlers käme ihm kaum zugute. Im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts kam es zu entscheidenden Veränderungen in der Fototechnik – sie durchlief verschiedene Stadien der Verbesserung und Vereinfachung, so dass sie zu Beginn des nächsten, des 20. Jahrhunderts zu einem billigen, weit verbreiteten und relativ einfachen Gerät geworden war. zu verwendende Mittel zur Bilderfassung, die wir heute kennen. Parallel dazu wuchs die Nachfrage nach Fotomaterialien und -zubehör, und diese ständig steigende Nachfrage wurde zu einer ernsten kommerziellen Angelegenheit. Und diesen Weg wählte Karl Bulla – ein Hersteller und Unternehmer aus der Fotografie. Im Jahr 1886 erschien in der Zeitschrift „Photographer“ folgende Anzeige für das Fotolabor von K. Bulla am Newski-Platz 110: „Spezialität: Fabrikproduktion von fotografischen Trockenplatten. Nachdrehen von Plänen, Zeichnungen, Zeichnungen etc. Praktischer Unterricht in Fotografie. Die Preise sind moderat.“ Während die ältere Generation romantischer Fotografen, die sich auf ihren Lorbeeren ausruhte, nach und nach von der Bildfläche verschwand, braute das Labor „Bulls gallertartige Emulsion“ und produzierte trockene Fotoplatten, um der wachsenden Armee von Profis und Amateurfotografen zu dienen, und sein Besitzer überwachte den Fortschritt genau auf dem Gebiet der Fotografie und ihrer Anwendungen, erweiterte das technische Arsenal seines Unternehmens und suchte nach neuen Märkten. Manchmal - vor den Ereignissen.

So wurde die „Erlaubnis für das Recht, alle Arten von fotografischen Arbeiten außerhalb des Hauses, beispielsweise auf der Straße, in Wohnungen und an Orten in der unmittelbaren Umgebung von St. Petersburg, anzufertigen“, beim Innenministerium beantragt und 1886 erhalten konnte keine schwerwiegenden kommerziellen Folgen haben, da zu dieser Zeit das Interesse an der St. Petersburger Architektur und ihrer Darstellung in der bildenden Kunst zurückgegangen war und die Druckindustrie noch nicht gelernt hatte, aus fotografischen Bildern Klischees zu machen. Und Karl Karlowitsch gehörte nicht zu denen, die „aus Liebe zur Kunst“ etwas „für sich“ drehten. Die Zeit, dieses Dokument zu verwenden, wird später kommen, nachdem dasselbe Ministerium 1894 „privat hergestellte offene Briefformulare“ genehmigt hat, und zwar sogar im Standard des Weltpostvereins. Dies ermöglichte es den Fotografen, die Verbreitung ihrer Bilder deutlich zu steigern und ihr Geschäft international zu bewerben. Bulla eröffnete sofort eine Druckerei und begann mit der Produktion von Postkarten.

Auch der 1896 erhaltene Status „Fotograf des Ministeriums für den kaiserlichen Haushalt“ konnte noch keine ernsthaften Vorteile bringen und brachte keine besonderen Vorteile – viele russische Fotografen hatten einen ähnlichen Status, zum Beispiel S. L. Levitsky, A. K. Yagelsky, Moskauer I. G. Dyagovichenko, A. I. Mei usw. Bis es zu einem Generationswechsel kam, musste Karl Bulle, während er in den Olymp des russischen Ruhms aufstieg, in ausländischen Bereichen „Punkte sammeln“. Und das tat er mit beneidenswerter Regelmäßigkeit: 1899 erhielt er eine Goldmedaille für Abendfotografien auf der Ausstellung des Französisch-Russischen Roten Kreuzes, 1900 das Kreuz der rumänischen Krone vom König von Rumänien, 1901 den Orden des Sterns des Löwen und der Sonne vom Schah von Persien im Jahr 1902 – eine Silbermedaille mit einer Krone „Für bürgerliche Verdienste“ vom Prinzen von Bulgarien, im Jahr 1903 – der Kavalierorden der italienischen Krone vom König von Italien.

Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts hatte sich die Drucktechnologie verbessert und es wurde möglich, gedruckte Reproduktionen von Fotografien gleichzeitig mit Text zu reproduzieren. Die unglaubliche Verbreitung illustrierter Publikationen führte zu einer wahren Revolution in der Fotografie und eröffnete völlig neue Möglichkeiten für den Einsatz fotografischer Bilder in der gesellschaftlichen Praxis. Seit 1897 erschienen Bullas Fotografien in einer der beliebtesten russischen Zeitschriften, Niva, deren „eigener Autor“ er viele Jahre lang war. Hier erlangte Karl Karlowitsch wahren Ruhm. Darüber hinaus war das Spektrum der fotografischen Arbeiten der Meister seines Unternehmens zu dieser Zeit äußerst breit gefächert. In einer Werbung aus dem Jahr 1904 heißt es in Anlehnung an das traditionelle Bild der Insignien: „Allzeit bereit zum Gehen und geht, wenn man ihn einlädt, dorthin, wo er benötigt wird.“ Er filmt alles, ohne sich für den Raum zu schämen, überall und überall, sowohl tagsüber als auch zu jeder Abendzeit mit seinem künstlichen Licht. Porträts von Toten, Gruppen beliebiger Zusammensetzung, Innenausstattung von Räumen, Sälen, Ausstellungen usw. Alle Arten von architektonischen Objekten, sowohl Innen- als auch Außenfassaden, Häuser, Fabriken, Werkstätten mit Arbeitern, Autos, Eisenbahnen, Denkmäler, Geschäfte usw. Verschiedene Szenen und Typen, Fotografien von antiken und antiken Objekten, Eröffnung und Weihe von Gebäuden, Jubiläumsfeiern und vieles mehr. andere. Schnappschüsse von Sportarten aller Art, von Pferden, Hunden und anderen Tieren. In unserem Pavillon entstehen: Porträts und Gruppen aus dem Leben. Vergrößerung von Porträts von Visiten- oder Bürokarten, in jedem Format. Anfertigen von Kopien von Visiten- oder Bürokarten, Gemälden, Gravuren, Zeichnungen und vielem mehr. andere. Aufnahme von technischen Objekten aller Art für Klischees, die problemlos in den Pavillon geliefert werden können. Mit der Fotografie werden verschiedenste Bilder verkauft: Typen, Tagesereignisse, Sport und vieles mehr, die bei Zeitschriften, Künstlern, Architekten, Technikern und anderen Personen auf ein vielfältiges Interesse und eine unterschiedliche Nachfrage stoßen.“ Allein in der Niva der Hauptstadt im Jahr 1903, mit der Überschrift „laut Foto. K.K. Bulla, der Autor von Niva“, wurden mehr als hundert Fotografien veröffentlicht, außerdem gab es „Ogonyok“, „Petersburg Life“, „Capital and Estates“ und europäische Zeitschriften.

Doch die Früchte des Ruhms musste er erst später ernten, nach dem Jubiläumsjahr 1903 für St. Petersburg. Im Jahr 1904 fotografierte Karl Karlovich Bulla die „erste Person des Staates“ – Kaiser Nikolaus I. Was danach kam: Die Firma K.K. Bulla“ erhielt die Erlaubnis, „Ansichten der Hauptstadt sowie Feierlichkeiten in höchster Präsenz“ zu filmen; eine spezielle Bescheinigung des Marinehauptstabs, die das Filmen „bei Manövern, Überprüfungen, Übungen, Stapellauf und Legen von Schiffen und im Allgemeinen bei allen Ereignissen im Zusammenhang mit dem Leben im Meer“ erlaubt; Eine Bescheinigung des Generalstabs des Kriegsministeriums erlaubte dem Unternehmen, „bei Manövern und Übungen der Gardetruppen und des Militärbezirks St. Petersburg fotografische Aufnahmen zu machen“. K.K. Bulla wurde Fotograf für die Russische Feuergesellschaft und die Kaiserliche Öffentliche Bibliothek; wurde mit einer Goldmedaille am Anninsky-Band, einer Goldmedaille „Für harte Arbeit“ und dem Orden 1. Grades der Treuhandschaft der Kaiserin Maria Fjodorowna für Gehörlose und Stumme ausgezeichnet. Seit 1908 - Kaufmann, Ehrenbürger (später - persönlicher Adliger), ein neues luxuriöses Atelier in Newski, 54. Weiter: Fotograf der Kaiserlich Russischen Roten Kreuzgesellschaft, des Büros des St. Petersburger Bürgermeisters, vieler Bildungseinrichtungen; zwei weitere Bestellungen - Französisch und Schwedisch, « Belobigungsurkunde des Ministeriums für Handel und Industrie auf der 1. Internationalen Luftfahrtausstellung. Im Jahr 1910 wurde das Fotostudio Lieferant des Hofes des Königs von Serbien und ab 1912 des „Hofes Ihrer kaiserlichen Hoheit Großherzogin Maria Pawlowna“... Im selben Jahr erhielt der Besitzer erneut ein „Zertifikat von „Ehre“ vom Ministerium für Handel und Industrie bei der 2. Fotoausstellung der Zeitschrift „Photographic News“... Man kann nicht alles zählen! Das Jahreseinkommen der Firma K.K. Bulla erreichte 250.000 Rubel.

Beide Söhne von Karl Karlovich, Alexander und Victor, wurden professionelle Fotografen, und der Maestro selbst verließ Petrograd auf dem Höhepunkt seiner glänzenden Karriere und ging nach Estland auf die Insel Ezel (heute Saaremaa). Familienlegenden zufolge baute er dort vorab ein Haus, in dem seine dritte Frau, eine Estin namens Christina, auf ihn wartete. Sie sagen, dass er während seines Aufenthalts auf der Insel das tägliche Leben der Einheimischen fotografierte und Jungen die Kunst des Fotografierens beibrachte. Hier ließ er 1929 friedlich seine Tage ausklingen. Der berühmte Meister wurde im Dorf Yamaia auf einem kleinen Friedhof nahe der Küste beigesetzt.

Nachdem Karl Karlowitsch Russland verlassen hatte, verblieb in Petrograd (und nicht nur!) ein kolossales fotografisches Erbe. „Auf der Grundlage des Beschlusses des Allrussischen Zentralen Exekutivkomitees und des Rates der Volkskommissare der RSFSR vom 28. Januar 1929 und des Dekrets des Präsidiums des Leningrader Rates vom 29. April 1929 trafen seitens der Bulle Negative ein Familie an das Leningrader Regionalarchivbüro. Der Materialtransfer dauerte bis 1938. Das Archiv erhielt mehr als 130.000 Negative, von denen fast die Hälfte von K. K. Bulla oder unter seiner Beteiligung erstellt wurde.“

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Zitiert nach: Daguerre, Niepce, Talbot – zum 100. Jahrestag der Entdeckung der Fotografie / Comp. - S.V. Jewgenow. M.: 1938. Aragos Bericht in der Abgeordnetenkammer am 3. Juli 1839 bei der Erörterung eines Gesetzentwurfs über den Erwerb einer Erfindung durch die französische Regierung.

Zitat von: Benjamin V. Ein Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit. Ausgewählte Aufsätze / Pod. Hrsg. Yu. A. Gesund. M Ebd.

Weltillustration, 1870. Nr. 83. S. 544

Photographic News, 1908, Nr. 7. S. 120

Albert Eduardovich Felish // Photographic Bulletin, 1908, Nr. 7. S. 168

Joachim Iwanowitsch Steffen (06.10.1857, Lübeck - 27.10.1910, St. Petersburg) zog 1881 von Lübeck nach Russland und eröffnete 1882 in St. Petersburg in der Kasanskaja-Straße Nr. 13 ein Fotogeschäft. Später wechselte der Besitzer es bis zur Kasanskaja-Straße zum Haus Nr. 5. In den 1900er Jahren. Firma „I. Steffen und Co. eröffneten eine Filiale in Moskau in der Stoleshnikov Lane Nr. 6. I. I. Steffen wurde auf dem Volkov Lutheran Cemetery in St. Petersburg beigesetzt.

E. Dzyuba, V. Zanozina. Karl Karlowitsch Bulla. Link zu: RGIA, f. 1284, op. 58, gest. 256, l. 5 in Kat. Ausstellung „Petersburg. 1903 in Fotografien von K.K. Bullen“ / GMISPb. 2003

Laut dem Katalog „Petersburg-Petrograd-Leningrad in Postkarten 1895-1945“ wurden von K. Bull allein mehr als 50 Geschichten mit St. Petersburg-Themen veröffentlicht.

Zum Vergleich: Das professionelle „Russian Photographic Magazine“ erreichte gerade einmal eine Auflage von 1.000 Exemplaren, während die Auflage von „Niva“ wöchentlich 250.000 Exemplare erreichte.

I. N. Bozheryanov. Newski-Prospekt: ​​​​1703-1903: Kulturhistorischer Abriss des Lebens von St. Petersburg über zwei Jahrhunderte. St. Petersburg, 1901-1903

E. Dzyuba, V. Zanozina. Vereinigtes Königreich. Op. MIT.

„In Russland kommt jede neue künstlerische Welle Fotos werden nicht mit dem vorherigen überlagert, aber spült es über Bord“

Michail Sidlin

Es ist einfach so, dass jemand, der sich mit den Erfolgen der russischen Kunstfotografie des frühen 20. Jahrhunderts vertraut machen möchte, keine großen Schwierigkeiten haben wird, die Namen der Fotokünstler der alten russischen Schule herauszufinden – Juri Eremin, Nikolai Andrejew, Pjotr ​​Klepikow , Nikolai Petrov und andere. Ohne Probleme erfährt er beispielsweise, dass Nikolai Petrow bereits in der vorrevolutionären Zeit zum Gewinner internationaler Fotoausstellungen in Dresden, Hamburg, London wurde und das „Enzyklopädische Wörterbuch“ der Gebrüder Granat und Co. ihn als Gründer bezeichnete der Kunstfotografie in Russland. Oder dass Yuri Eremin in den 20er und 30er Jahren auch Preisträger internationaler Fotoausstellungen im Ausland wurde.

Aber selbst ein neugieriger Liebhaber der Fotografie wird vor unlösbaren Problemen stehen, wenn er wissen will, mit welchen Ergebnissen unsere Fotokunst, die so großartig begann, das letzte Jahrhundert beendet hat. Es gibt äußerst wenige Informationen zu diesem Thema. Darüber hinaus sind sie fragmentarisch und ermöglichen es einem externen Beobachter nicht, sich eine ganzheitliche Vorstellung über die Rolle und den Platz der russischen künstlerischen Fotografie in der Weltfotografie zu machen.

Es ist nicht verwunderlich, dass der Mangel an ausreichenden Informationen im Massenbewusstsein die Meinung hervorruft, dass die Erfolge unserer Fotokunst in diesen fernen 30er Jahren endeten. Dies wurde zu einem großen Teil durch die Aussagen einiger maßgeblicher Funktionäre aus der Fotografie erleichtert, die am Ende des Jahrhunderts und später auf den Seiten von Fotozeitschriften stattfanden, dass die heimische Fotokunst in der Weltfotografie angeblich keine Rolle gespielt habe das letzte Jahrhundert und ist niemandem im Ausland bekannt

So Dmitry Kiyan, damals Chefredakteur des Magazins Foto & Video "Als er über die Ergebnisse des Jahrhunderts sprach, sagte er:„Am Ende des 20. Jahrhunderts ist die Notwendigkeit, Prioritäten zu setzen, offensichtlich. Und wenn unsere moderne Fotografie im Kontext der Weltfotografie immer noch praktisch unbekannt ist, dann liegt das nur an einem seltsamen Missverständnis.“. (Foto & Video Nr. 7 für 2000, S. 18).
Olga Sviblova, Direktorin des Moskauer Hauses der Fotografie, teilt die gleiche Meinung und glaubt das„Zu Sowjetzeiten hatten Fotografen keine Möglichkeit, an ausländischen Ausstellungen und Wettbewerben teilzunehmen“ („Photoshop“ Nr. 1-2, 2002, S. 96).

Und etwas früher, im Jahr 1998, sagte sie über den Zweck ihres nächsten Projekts:„Ich hoffe, dass diese Erfahrung Russland dabei helfen wird, wieder ein vollwertiger Teilnehmer am internationalen fotografischen Kontext zu werden, der es bis in die 30er Jahre war, bis es von dort gewaltsam vertrieben wurde.“. („Photoshop“ Nr. 5, 1998, S. 58).

Das Magazin „Consumer“ stimmt ihnen voll und ganz zu:„Die Sowjetunion war vom weltweiten fotografischen Leben abgeschnitten. Nur in einem Bereich – dem Journalismus – kam er damit in Berührung: durch WeltDrücken SieFoto... Aber der gesamte riesige Bereich der zeitgenössischen Kunstfotografie war völlig unsichtbar.“ („Consumer“ Photo and Technology Nr. 9, 2010)

Bei allem Respekt vor den zitierten Autoren muss ich jedoch feststellen, dass ihre Aussagen nicht der Realität entsprechen. Mir ist durchaus bewusst, dass die heimische künstlerische Fotografie seit Mitte der 60er Jahre des letzten Jahrhunderts nicht nur in diesem Kontext der Weltfotografie steht, sondern auch ein wichtiger Bestandteil davon ist. Ich weiß das aus erster Hand, da ich selbst mehrere Jahrzehnte lang direkt an diesem Prozess beteiligt war. Ich habe Hunderte von internationalen Fotoausstellungen auf der ganzen Welt. Sowie Auszeichnungen aller Art und Verdienste, die in einem kreativen Streit mit den führenden Meistern der Weltkunstfotografie verliehen wurden. Die meisten davon ereigneten sich während der Zeit der UdSSR. Und manchmal brachten mir sowjetische Diplomaten meine Auszeichnungen aus fernen Ländern, wofür ich ihnen immer noch dankbar bin.

Ich empfehle denjenigen, die einen Ausflug in die meiner Meinung nach nicht allzu ferne Geschichte der russischen Fotokunst unternehmen möchten. Lassen Sie uns anhand von Fakten und Zahlen feststellen, ob die Fotoprediger Recht haben, wenn sie behaupten, dass die russische Fotokunst der Sowjetzeit niemandem auf der Welt bekannt sei. Natürlich ist es unmöglich, alle Erfolge unserer Kunstfotografie in einem Artikel zu beschreiben, da die Menge an Informationen, die mir zur Verfügung steht, beträchtlich ist. Ich werde nur auf einige Fragmente eingehen, die völlig ausreichen werden, um die gestellte Frage eindeutig zu beantworten. Sie werden diese Informationen nirgendwo anders finden, selbst wenn Sie alle Fotomagazine der Welt durchblättern oder das gesamte Internet durchsuchen.

Ich möchte betonen, dass es in dieser Publikation ausschließlich um Ausstellungen der höchsten Kategorie geht, die unter der Schirmherrschaft der International Federation of Photographic Arts (FIAP) stattfinden, einer Weltorganisation innerhalb der UNESCO, in der das Beste, was in der Fotokunst auf globaler Ebene entsteht, gezeigt wird Maßstab wird demonstriert. Nur solche Ausstellungen machen ernsthafte „Kerben“ in der kreativen Biografie des Fotografen. Und bis der Fotokünstler auf diesen Ausstellungen ein bedeutendes Statement über sich selbst abgibt, ist er in der Weltfotografengemeinschaft niemand, der ihn nennen kann, egal wie erfolgreich er in seinem Land ist.

Zuerst geht es in die Pyrenäen. Spanien ist ein Land mit tiefen fotografischen Traditionen. Hier ist die Fotografie als Kunst von der Gesellschaft gefragt, hat ein breites Funktionsspektrum und spielt eine wichtige Rolle in der nationalen Kultur. Daher ist es kein Zufall, dass Spanien zu den Ländern gehört, in denen seit vielen Jahrzehnten die prestigeträchtigsten internationalen Ausstellungen der Fotokunst stattfinden, die weltweit Anerkennung finden.

Nur wenige Menschen wissen, dass sowjetische Fotografen bereits vor dem Sturz des faschistischen Regimes von General Franco und lange vor der Aufnahme diplomatischer Beziehungen zwischen unseren Ländern, seit den späten 60er Jahren des letzten Jahrhunderts, an Fotoausstellungen in Spanien teilgenommen hatten.

Bekannte Ausstellungen hierzulande sind unter anderem die EUROPE Biennale und die PHOTO SPORT Biennale in Reus im Wechsel. Sehen wir uns an, wie die kreativen Erfolge von Fotografen aus verschiedenen Ländern auf der VIII. Biennale „PHOTOSPORT-84“ korrelierten – der weltweit wichtigsten Fotoausstellung für Kunstfotografie zum Thema Sport, und deshalb wurde hier die Trophäe des Internationalen Olympischen Komitees ausgestellt , bereitgestellt von Juan Antonio Samaranch, wurde während seiner Zeit als IOC-Präsident als Grand Prix gespielt.

Dies ist der Ausstellungskatalog und unten finden Sie eine Kopie der Statistiktabelle.

DADES ESTADISTIQUES

Aus dieser Tabelle ist ersichtlich, dass Vertreter aus 38 Ländern an der Ausstellung teilgenommen haben, von denen eines mit großem Abstand den Rest übertraf – unser Land.

Wir lesen die horizontale Zahlenreihe links neben dem Namen unseres Landes: 330 Autoren reichten 815 Schwarzweißarbeiten und 28 Farbarbeiten zur Prüfung durch die Jury ein, insgesamt also 843 Arbeiten. Kein Land hat auch nur annähernde Ergebnisse. Als nächstes kommt die Tschechoslowakei: 99 Autoren mit 361 Werken.

Aber diese Menge ist „Input“, d.h. vor der Auswahl der Jury, aber was passiert am Ende, was ist in der Ausstellung enthalten? Wir blicken auf die gleiche Zeile, aber rechts neben dem Namen unseres Landes: 56 unserer Autoren mit 63 Schwarzweiß- und 8 Farbwerken wurden für die Ausstellung ausgewählt. Somit gehören von den 164 Autoren, deren Werke die Ausstellung dieser Ausstellung bildeten, 56 uns und von den 229 darin präsentierten Werken 71 uns. Tolles Ergebnis! Alle Länder bleiben zurück. Deutschland hat das zweite Ergebnis: 21 Autoren mit 28 Werken. An dritter Stelle steht die Tschechoslowakei: 16 Autoren mit 26 Werken.

Notiz:

Es ist zu bedenken, dass wenn die Jury 229 Werke aus den 3052 zur Ausstellung eingereichten Werken ausgewählt hat, dies nicht bedeutet, dass der Rest in irgendeiner Form gestalterisch oder technisch minderwertig war. Die Anzahl der Werke in der Ausstellung wird von den Veranstaltern im Voraus auf der Grundlage der verfügbaren Ausstellungsfläche und des Gesamtkonzepts der Ausstellung festgelegt. Gemäß diesem Konzept entwickeln Künstler-Designer ein Ausstellungslayout, das eine bestimmte Anzahl von Werken in der Ausstellung festlegt und nur geringfügige Änderungen in die eine oder andere Richtung zulässt. Unabhängig davon, ob tausend oder zehntausend Werke in die Ausstellung aufgenommen würden, wären immer noch dieselben 229 Werke zu sehen.

Und hier ist die Preisliste der Ausstellung, so hat die Jury die Preise verteilt.

RELACIÓ DE PREMIS

BLANC I IMEGRE

Die Überlegenheit unseres Landes ist ganz offensichtlich: eine Goldmedaille, zwei Silbermedaillen, sechs Bronzemedaillen! Dazu gehörten Silber- und Bronzemedaillen sogar in der Farbfotografie-Sektion, wo es für uns damals aus objektiven Gründen schwierig war, mit ausländischen Meistern zu konkurrieren.

Aber blättern wir die Seite des Katalogs um und schauen uns eine andere Liste an – Sonderauszeichnungen internationaler Organisationen.

PREMIS F.I.A.P.

Wir sehen, dass der Grand Prix an unseren Autor Viktor Kononov verliehen wurde und drei weitere unserer Autoren mit dem FIAR-Ehrenband ausgezeichnet wurden. Ein absoluter Sieg für die russische Fotografie, mehr gibt es hier nicht zu kommentieren! Ich möchte nur hinzufügen, dass unsere Fotografen zwei Jahre später auf der IX. Biennale „PHOTOSPORT-86“ in Reus den Erfolg dieser Ausstellung wiederholten und erneut sowohl den Grand Prix als auch eine ganze Reihe von Medaillen gewannen.

Und dies ist der Katalog einer weiteren renommierten Ausstellung „AQUEDUCT -90“ in Spanien, die 1990 stattfand. Nachfolgend finden Sie die Statistiken dieser Ausstellung.

DADES ESTADISTIQUES

Und hier sehen wir (anhand des oben angewandten Prinzips), dass von den 135 Autoren, die den Tiegel der Auswahl bestanden haben, wiederum 27 unserer Fotografen die meisten sind. Von den 213 Werken in der Ausstellung sind 41 unseres (nur Spanien hat mehr – 56).

Und hier ist das Ausstellungspreisblatt, das erneut den absoluten Erfolg unserer Fotografen bezeugt. Acht Gewinner sind unsere Landsleute. Darüber hinaus ging „Goldenes Aquädukt“ (Grand Prix) an Alexander Suprun, „Silbernes Aquädukt“ an Pavel Kunin. Gold-, Silber- und Bronzemedaillen FIAP auch von unseren Autoren. Und das ist noch nicht alles, überzeugen Sie sich selbst.

Prämissen als Millors-Autoren

Aber nicht nur in Spanien hat die Arbeit unserer Fotografen wohlverdiente Anerkennung und großes Lob erhalten.

Dies ist der Katalog des 70. Scottish Salon of Photography 1987 in Dumfries (50 teilnehmende Länder). In seiner Ausstellung zeigten 22 unserer Autoren 31 Werke (an zweiter Stelle nach England). Infolgedessen wurde Yuri Varigin mit der höchsten Auszeichnung – der FIAP-Goldmedaille – ausgezeichnet.

Dies ist der Katalog des 71. Scottish Salon of Photography 1988 in Glasgow (52 teilnehmende Länder). Mittlerweile umfasst die Ausstellung 51 unserer Autoren mit 88 Werken – die größte Zahl aller Länder. Infolgedessen wurde Stanislav Yavorsky mit der höchsten Auszeichnung – der FIAP-Goldmedaille – ausgezeichnet.

Dies ist ein Katalog des berühmten Fotosalons in Buenos Aires im Jahr 1990 (32 teilnehmende Länder). Die Ausstellung zeigt 23 unserer Autoren mit 41 Werken – die größte Anzahl aller Länder. Infolgedessen wurde Alexander Suprun mit der „Goldenen Pyramide“ (Grand Prix) ausgezeichnet, und Valery Goretsky und Zinovy ​​​​Shegelman erhielten Silbermedaillen.

Dies ist der Katalog des 45. Internationalen Salons für Fotografie 1990. in Hongkong (44 teilnehmende Länder). Nur zwei sowjetische Fotografen konnten die Ausstellung des Salons betreten, die nicht mit den oben aufgeführten Ausstellungen verglichen werden kann.

Aber gemeinsam konnten sie die Sowjetunion zum Gewinner dieser Fotokunstschau machen und vier Preise gewinnen!

Die höchste Auszeichnung des Salons – die Trophäe des Vizekönigs der englischen Krone, Gouverneur Sir David Wilson (Grand Prix), wurde an das Portfolio von Vitaly Tenenev verliehen. Darüber hinaus wurde eines seiner Werke zusätzlich mit einer Bronzemedaille ausgezeichnet. Darüber hinaus wurde ein weiteres seiner Werke zum Wahrzeichen der Ausstellung. Auch die jedem Meister verliehene Urkunde zur Bestätigung seiner Teilnahme an der Ausstellung des Salons, die von den Veranstaltern an Autoren in 44 Länder verschickt wurde, war eine Kopie dieses Werkes mit dem dazugehörigen Text.Dies kommt äußerst selten vor, sodass Sie die Anzahl der Fotografen, denen diese Auszeichnung verliehen wurde, buchstäblich an Ihren Fingern abzählen können.

Und Alexey Popov wurde mit der Salon-Goldmedaille und der Goldmedaille der Photographic Society of America ausgezeichnet ( P.S.A. ). So gingen von den vier Hauptpreisen der Ausstellung drei an unsere Meister. Und nur eine – eine Goldmedaille FIAP , blieb für alle anderen Aussteller bestehen. Nun, wo kann man mehr verlangen?!

Lassen Sie uns jedoch abschließend noch einmal zu einem sehr wichtigen Anlass nach Spanien zurückkehren. 1989 fand hier die wohl repräsentativste Ausstellung der Welt zum 150. Jahrestag der Fotografie statt – die IX. Biennale für internationale Fotografie „EUROPE-89“. Seine Besonderheit bestand darin, dass es zur Kategorie der Primfotos gehörte, d. h. Daran konnten nur Arbeiten teilnehmen, die im Jahrzehnt 1979 bis 1988 bereits auf anderen internationalen Ausstellungen weltweit ausgezeichnet wurden. Dies bedeutete übrigens keineswegs, dass die eingereichten Arbeiten direkt in die Ausstellung gingen. Dies gab lediglich das Recht, sich zur Prüfung durch die Jury in die allgemeine Warteschlange zu stellen. Schwierige Bedingungen! Und es ist kein Zufall, dass der Vorsitzende der Jury der Vizepräsident von FIAR war.

Dies ist der Ausstellungskatalog – ein gewichtiger und hervorragend veröffentlichter Wälzer! Auf dem Cover ist übrigens das Werk des sowjetischen Autors Jewgeni Pawlow abgebildet.

Schauen Sie sich die Statistiktabelle dieser Ausstellung genau an. Es zeugt überzeugend von der absoluten Überlegenheit unserer Fotografen!

PAPES ESTADISTIQUES

Und die untenstehende Kopie des Preisblatts der Ausstellung spricht vom phänomenalen Sieg unserer Meister über den Rest der Welt. Selbstverständlich gehören zehn der achtzehn Auszeichnungen uns! Und sogar eine Sondermedaille der Fotografischen Föderation Kataloniens an die Sowjetunion für die größte Anzahl eingereichter Arbeiten.

IX BIENNALE „EUROPA 89“.

Betreff: FOTOGRAFÍES MONOCROMES PREMIADES EN SALONS INTERNACIONALES 1979/1988

Premis ais millors Autoren

Auszeichnung für das Land und die Hauptbeteiligung

MEDALLA FEDERACIO CATALANA DE FOTOGRAFIA

URSS 304 Obres
TXECOSLOVÁQULA 121 Obres
ÖSTERREICH 61 Obres

Lassen Sie uns nun eine sehr wichtige abschließende Analyse durchführen, die auf den Statistiken dieser Ausstellung basiert. Unser Land hat zur Ausstellung 304 Werke von 114 Autoren eingereicht (siehe Statistiktabelle). Da jedes dieser Werke bereits zuvor irgendwo auf der Welt ausgezeichnet wurde, gilt dies nur für den Zeitraum von 1979 bis 1988. Unsere Fotografen haben in allen Teilen der Welt mindestens 304 Auszeichnungen gewonnen – eine riesige Zahl! Und diese Tatsache dokumentiert der Katalog dieser Ausstellung. Das sind unvergleichlich mehr Auszeichnungen, die unsere Landsleute auf internationalen Ausstellungen nicht nur in den 30er Jahren, sondern auch auf allen anderen zusammen seit der Erfindung der Fotografie erhalten haben.

Die tatsächliche Zahl der Belohnungen ist jedoch viel größer. Erstens haben nicht alle unserer Gewinner aus verschiedenen Gründen ihre Werke zu dieser Ausstellung geschickt. Zweitens haben nicht alle von 304 Einsendungen nur eine Auszeichnung. Innerhalb von zehn Jahren konnte die gleiche Arbeit zwei-, drei- oder fünfmal ausgezeichnet werden. Daher muss die Zahl 304 mit mindestens dem Zwei- oder sogar Dreifachen multipliziert werden, um der tatsächlichen Zahl der in diesen Jahren erhaltenen Auszeichnungen nahe zu kommen. In nur zehn Jahren sind es zwischen 600 und 900 Medaillen. Im Durchschnitt zehn Jahre lang jede Woche eine oder sogar zwei Medaillen. Das ist eine kolossale Menge! Aber es gab auch erfolgreiche 70er Jahre. Ja, das ist wirklich das „goldene Zeitalter“ unserer Fotografie!

Aber wie vielen Leuten ist es aufgefallen? Gar nicht! Während die ganze Welt unsere Fotokunst beklatschte und sie auf die höchsten Stufen des Podiums stellte, gaben sie in unserem Heimatland ihr Bestes, um seine Erfolge nicht zu bemerken. Dieses „goldene Zeitalter“ berührte nicht die Seiten der Zeitschrift „Soviet Photo“, die damit beschäftigt war, „Meisterwerke“ wie „The Party Organizer Descended to the Face“ oder „Planning in the Brigade“ in den Himmel zu erheben. Im Buch „Kreative Fotografie“ des berühmten Historikers der russischen Fotografie, Sergei Morozov, spiegelte sich dies in keiner Weise wider, obwohl es vom Autor genau in diesen Jahren geschrieben wurde. Über ihn konnte man damals nirgends lesen, so wie man es heute auch nicht lesen kann.Ich kann mich nicht an eine Zeit erinnern, in der Fernsehen oder Radio etwas über die Erfolge der russischen Fotografie gesagt hätten.Es wurde wahrhaftig gesagt: Man kann Russland nicht mit dem Verstand verstehen!

Ich glaube, dass die angeführten Beispiele ausreichen, um zu verstehen, dass unsere Meister in der Kunst der Fotografie nicht Kohlsuppe geschlürft haben, wie manche immer noch denken. Ja, sie hatten „Steinzeit“-Kameras in der Hand und waren gezwungen, Berichte über die Errungenschaften der globalen Fotoindustrie, die ihre ausländischen Kollegen voll ausnutzten, als Science-Fiction wahrzunehmen, die nichts mit ihnen zu tun hatte. Aber auch in dieser Situation hatten sie kein Problem mit der Anerkennung im Ausland. Sie hatten ein ernstes Problem mit der Anerkennung in ihrem Land. Dieses Problem wurde auch im postsowjetischen Jahrzehnt des letzten Jahrhunderts in Bezug auf die russische Fotokunst nicht gelöst. Und ob es in diesem Jahrhundert gelöst wird, ist immer noch eine sehr große Frage.

Es ist nicht verwunderlich, dass jemand, der nach einem etablierten Stereotyp über die sowjetische Fotografie der 70er und 80er Jahre des 20. Jahrhunderts schreibt, beginnt, die gleichen Namen von Fotojournalisten von TASS, APN und Ogonyok zu durchsuchen , usw. Ohne sich auch nur die Mühe zu machen, es zu erklären oder ohne sich bewusst zu sein, dass diese Menschen nur den Zustand des Fotojournalismus und nicht der Fotografie im Allgemeinen bestimmten, dass künstlerische Fotografie trotz allem mit ihren eigenen Namen und Errungenschaften existierte und sich erfolgreich entwickelte.

Es mag seltsam erscheinen, dass der Staat, der aus Gründen des in den Augen anderer Länder berüchtigten Prestiges kontinuierlich Multimillionen-Dollar-Spenden in den Erfolg des Sports investiert, den Erfolgen seiner Landsleute in der Fotografie keine Beachtung schenkt , die durchaus mit Sportmodellen vergleichbar sind. Es scheint, dass sie wo immer möglich verkündet werden sollten. Schließlich ist dies ein weiterer Bestandteil dieses Prestiges, und außerdem hat es den Staat überhaupt keinen Cent gekostet.

Aber nur der Staat erhält als Gegenleistung für die tatsächlich ausgegebenen Millionen vergängliche Ziele, Punkte, Sekunden, die keinen Zusammenhang mit dem Gesundheitszustand der Bevölkerung haben. Aber Legionen von Sportfunktionären, die geschickt Haushaltsgelder „sägen“, erhalten durchaus greifbare materielle Vorteile. Und sie haben ein persönliches Interesse daran, dass alle Medien rund um die Uhr über Sport sprechen, als ob es das Wichtigste im Leben eines jeden Menschen wäre. Wenn auch unsere Fotokunst aus dem Haushalt finanziert würde, dann hätte sie nicht weniger Vorboten und Troubadours. Und wie wir sehen, gibt es niemanden, der bereit ist, die Erfolge anderer Menschen „grundlos“ zu fördern, auch nicht um des Ansehens des Landes willen.

Abschließend sei noch ein Aspekt erwähnt. Beispielsweise kann ein ausübender Musiker oder Sänger in seinem Heimatland für seine Erfolge bei Wettbewerben im Ausland eine staatliche Auszeichnung erhalten. Es gibt eine ganze Reihe solcher Fälle. Es gab jedoch noch nie einen Präzedenzfall dafür, dass ein Fotograf eine solche Auszeichnung für seinen internationalen Erfolg erhielt.

Selbst der einfachste Arbeiter, Buchhalter oder Ladenbesitzer, der mehrere Jahrzehnte lang in einem Unternehmen gearbeitet hat, ohne Sterne vom Himmel zu holen, hat die Chance, die Medaille „Veteran der Arbeit“ zu erhalten. Auch wenn es sich um die unbedeutendste staatliche Auszeichnung handelt, verschafft sie einer Person dennoch gewisse moralische und materielle Vorteile. Sein Besitzer erhält eine höhere Rente, ein Teil seiner Nebenkosten wird erstattet, er fährt kostenlos mit öffentlichen Verkehrsmitteln usw. Auf diese Weise macht der Staat deutlich, dass diese Person bestimmte Verdienste hat und die Gesellschaft diese anerkennen und ihm dafür verpflichtet sein sollte.

Aber ich kenne Leute in Russland, die so viele internationale Auszeichnungen in der Fotografie erhalten haben, dass jeder von ihnen nicht genug Platz hat, um sie alle auf einen großen Tisch zu legen. Dies verschafft ihnen jedoch keine Privilegien, denn nach russischen Maßstäben haben sie nichts Nützliches für das Land und die Gesellschaft getan.

Sowjetische Meister der künstlerischen Fotografie erzielten glänzende Erfolge auf internationalen Ausstellungen von höchstem Rang und erlangten weltweit Ruhm und Respekt. Es ist unmöglich, eine andere Art menschlicher Tätigkeit zu nennen, bei der es jemandem allein aus eigener Kraft und mit eigenen Mitteln gelang, ohne materielle, organisatorische und moralische Unterstützung von Staat und Gesellschaft ähnliche Ergebnisse zu erzielen.

Ihren kreativen Bemühungen ist es zu verdanken, dass die russische Fotografie das letzte Jahrhundert beendete und in das gegenwärtige Jahrhundert eintrat, wo sie zu den Spitzenreitern des weltweiten fotografischen Prozesses zählte. Eine andere Sache ist, dass nur wenige Menschen in unserem Land davon wissen. Aber es ist nicht ihre Schuld. Sie haben ihre Arbeit perfekt gemacht! Viele der in dieser Veröffentlichung erwähnten Meister und diejenigen, die außerhalb ihres Geltungsbereichs blieben, leben nicht mehr. Aber das ist kein Grund, sie zu vergessen und über Bord zu werfen, wie es im Epigraph heißt, das ich für diesen Artikel als eine genaue Formulierung der russischen Realität ansehe.

Interieur in russischer Grafik des 19. – frühen 20. Jahrhunderts

Mit der Erfindung der Fotografie im 19. Jahrhundert wurde es möglich, die Realität mit dokumentarischer Präzision festzuhalten. Die Menschen begannen fröhlich zu fotografieren, und bald war das Aquarellporträt nicht mehr gefragt und das fotografische Porträt nahm seinen festen Platz ein. Der Fortschritt hatte jedoch keinen Einfluss auf das Genre der Inneneinrichtung: Innenräume wurden weiterhin im gleichen Umfang wie zuvor gemalt, und die Nachfrage nach Aquarellalben mit Ansichten von Schlössern und Anwesen war nach wie vor hoch. Aber selbst im Zeitalter der digitalen Fotografie und der grenzenlosen Möglichkeiten der Bildbearbeitung werden handgemachte Skizzen von Innenräumen auch heute noch geschätzt. Allerdings natürlich eher als hervorragende Ausnahme von der allgemeinen Regel.

V.P. Trofimov. Weißes Wohnzimmer im Haus des Moskauer Generalgouverneurs. Anfang des 20. Jahrhunderts. Fragment

A.P. Baryschnikow. Das rote Wohnzimmer im Haus des Moskauer Generalgouverneurs. 1902. Fragment

Und dann wollte jeder, der es sich leisten konnte, sein Zuhause, sein Familiennest, in Farbe festhalten. Das Foto war schwarzweiß und die Besitzer wollten nicht nur den Raum und die Form, sondern auch die Farbe im Gedächtnis bewahren. Das Foto ließ geometrische Verzerrungen und eine Verschlechterung der Schärfe zu, wenn es sich von der Mitte entfernte, und die Eigentümer wollten, dass kein einziges Detail, kein einziges Fragment unbedeckt blieb. Es gab noch einen weiteren sehr wichtigen Punkt, weshalb das Interior-Genre in der Grafik trotz technischer Innovationen weiterlebte und lebte. Wir werden Ihnen auf jeden Fall davon erzählen, aber etwas später. Beginnen wir in der Zwischenzeit endlich damit, uns genau diese aquarellierten „Porträts“ von Innenräumen anzusehen, gegen die sich die fortschrittliche Technologie als machtlos erwiesen hat.

Zeichnungen aus dem Album der Gräfin E.A. Uvarova. 1889–1890

E.A. Uvarov. Arbeitszimmer und Wohnzimmer im Anwesen der Grafen Uvarov (Porechye, Provinz Moskau). 1890

E.A. Uvarov. Arbeitszimmer und Wohnzimmer im Anwesen der Grafen Uvarov (Porechye, Provinz Moskau). 1890. Fragment

Seit Ende August 2016 ist im Staatlichen Historischen Museum in Moskau eine Ausstellung geöffnet, die eine ganze Galerie grafischer Werke des 19. bis frühen 20. Jahrhunderts präsentiert, die durch das Thema Innenarchitektur vereint sind. Designer und Architekten sieht man auf solchen Ausstellungen nicht oft, sie bevorzugen meist gedruckte Kataloge oder Bilder, die ins Internet gelangt sind. Doch wer die Originale schon einmal gesehen hat, versteht, wie „im wirklichen Leben“ der Eindruck reicher und informativer ist.

In der Ausstellung finden Sie einen faszinierenden Einblick in die Welt der Innenräume berühmter Persönlichkeiten dieser Zeit: der Kaiserin, des Moskauer Generalgouverneurs, eines herausragenden Historikers, des Sohnes von Admiral Kruzenshtern, der Tochter des Chefarchitekten von Odessa Bildungsminister, ein Prominenter und sogar ein zukünftiger Heiliger.

Die Einzigartigkeit besteht darin, dass es sich bei diesen Bildern um historische Dokumente handelt, die die Innenausstattung von Häusern der jeweiligen Zeit sachlich genau zeigen. Dies lässt sich beispielsweise nicht von den Gemälden der Niederländer des 17. Jahrhunderts, den Begründern des Interieur-Genres, sagen: Die Künstler dieser Zeit bevorzugten symbolische Objekte und Allegorien sowie Klarheit der Komposition zu Lasten der historischen Wahrheit. Im 20. Jahrhundert standen bei der Innendarstellung die Sichtweise des Autors und der emotionale Hintergrund im Vordergrund, die der Künstler eher vermitteln als den realen Raum nachbilden wollte. Daher sind Zeichnungen russischer Meister des 19. Jahrhunderts neben ihrem künstlerischen Wert auch eine verlässliche Informationsquelle zur Geschichte der russischen Innenarchitektur.

Unbekannter Künstler. Eine Suite von Zimmern in einem unbekannten Herrenhaus. 1830er Jahre

Wir erzählen Ihnen von einigen Werken, die in der Ausstellung präsentiert werden. Der Rest ist bis zum 28. November 2016 in der Ausstellung im Staatlichen Historischen Museum sowie im Katalogalbum zu sehen Interieur in russischer Grafik des 19. – frühen 20. Jahrhunderts. Aus der Sammlung des Staatlichen Historischen Museums / Comp. E.A. Lukjanow. - M., 2016.

Wohnzimmer im Anwesen der Schachowski-Fürsten (Provinz Moskau)- ein wunderbares Beispiel für den Komfort und die Einfachheit eines klassischen Adelshauses. Ein weiches Set, bezogen mit hellen Textilien mit Blumenmuster, organisiert den Raum erfolgreich, beraubt ihn aber nicht der Spontaneität.

Unbekannter Künstler. Wohnzimmer im Anwesen der Schachowski-Fürsten (Weißer Kolp, Provinz Moskau). 1850er Jahre

Im Arbeitszimmer des Anwesens der Fürsten Schachowski Einfache Möbelformen werden frei mit einer komplexen Decke kombiniert und die karelische Birke hat eine bernsteinfarbene Farbe — mit weißen Tischsets und einer Sofapolsterung, die einfach modern aussieht.

Unbekannter Künstler. Arbeitszimmer und Wohnzimmer im Anwesen der Schachowski-Fürsten (Weißer Kolp, Provinz Moskau). 1850er Jahre

Aber hier ist ein Ort, an den wir in der Realität kaum gelangen könnten — Das Büro des Grafen Uvarov im Gebäude des Ministeriums für öffentliche Bildung in St. Petersburg. S.S. Uvarov leitete nicht nur genau dieses Ministerium und war eine herausragende politische Persönlichkeit seiner Zeit, sondern wurde auch als brillanter Wissenschaftler, Experte für klassische Antike und Kunstsammler berühmt. Im Büro des Grafen befanden sich beispielsweise etruskische Vasen, eine Amorskulptur von E.M. Falcone, malerische Ansichten von Venedig sowie viele andere wertvolle Objekte und Gemälde. Interessant ist die Form des Kronleuchters unter der Decke mit einem Glasschirm über einem Metallsockel.

EIN. Rakovich. Büro des Grafen S.S. Uvarov im Gebäude des Ministeriums für öffentliche Bildung in St. Petersburg. 1847

Büro im Haus von Professor Granovsky in Moskau besticht durch seine wissenschaftliche Atmosphäre: Bücher in den Schränken, Bücher auf dem Sessel, Bücher auf dem Stuhl und auf dem Blumenständer. Auf den Tischen — Berge von Manuskripten. Es gibt übrigens zwei Tische — einer geschrieben, der andere — Schreibtisch — zum Arbeiten im Stehen oder Sitzen auf einem Hochhocker. Herausragender russischer Historiker T.N. Granovsky ist bekannt für seine wissenschaftlichen Arbeiten und sein aktives soziales Engagement. So stiegen viele herausragende Persönlichkeiten dieser Zeit die Wendeltreppe hinauf, deren Balustrade das Büro so elegant schmückt.

Unbekannter Künstler. Büro im Haus von T.N. Granowski in Moskau. 1855

Lassen wir uns jedoch vielleicht ein wenig von Wissenschaft und Politik entfernen und besuchen Salon des Hauses von Victoria Frantsevna Marini, Tochter des führenden Architekten von Odessa. Hier ist es hell und ruhig: angenehme Farben, Teppich, Stuhlgruppen in schneeweißen Bezügen. Die Zonierung der Halle erfolgt mittels Textilien am Gesims. Die Vorderwand ist mit Vorhängen und schmalen Säulen verziert, die als Grundlage für Gemälde dienen.

Unbekannter Künstler. Salon im Haus von V.F. Marini in Odessa. 1840er Jahre

Arbeitszimmer und Wohnzimmer im Haus von Maria Trofimovna Pashkova in St. Petersburg — rein weibliches Territorium: rosa und goldene Verzierung, komplexe Lambrequins mit Quasten an den Fenstern, am Schrank — Tee Set. Den zentralen Platz im Raum nimmt jedoch ein großer Schreibtisch mit Schränken für Papiere und einem bequemen Wannenstuhl ein. Entlang des Tischumfangs ist ein funktionaler durchbrochener Zaun zu sehen. Links ein Sofa-Canapé mit asymmetrischer Rückenlehne und Rollen, rechts ein großer Spiegel — eine ganze „Oase“ in Blumentöpfen, die durch die Spiegelung ihre Größe verdoppelt.

Unbekannter Künstler. Arbeitszimmer im Haus von M.T. Paschkowa in St. Petersburg. 1830er Jahre

Die Ausstellung präsentiert zwei große Aquarellserien, die die Innenräume ganzer Häuser illustrieren: den Palast des Moskauer Generalgouverneurs Sergej Alexandrowitsch Romanow und die Villa (Datscha) der Prinzessin Zinaida Jussupowa. Beide Häuser sind bis heute erhalten geblieben, die historischen Innenräume leider nicht. Daher ist es besonders interessant, sie in Zeichnungen zu sehen, die nicht nur das Leben und die Atmosphäre der damaligen Zeit, sondern auch die Persönlichkeitsmerkmale der berühmten Besitzer vermitteln.

Prunkräume Haus des Moskauer Generalgouverneurs Natürlich beeindrucken sie durch ihre künstlerische Integrität und ihr luxuriöses Design, aber für praktische Designer wäre es vielleicht interessanter, einen Blick in die Privatgemächer des Romanov-Hauses zu werfen. Sagen wir rein Ankleidezimmer von Großfürst Sergej Alexandrowitsch, Bruder von Alexander III. und Onkel von Nikolaus II. Ausgestattet mit fließendem Wasser, Wasserhahn und Waschbecken wirkt es dennoch wie eine Kunstgalerie: An den Wänden hängen dichte Porträts von Vorfahren und Verwandten, Heiligen und Helden, auf dem Boden — mit Teppichboden ausgelegt, rechts sieht man ein mit Satin gepolstertes Sofa. Stellt man sich jedoch einen Raum ohne Gemälde vor, stellt sich heraus, dass dieser sehr funktional und ohne Pathos eingerichtet ist.

I.I. Nivinsky. Das Ankleidezimmer des Großherzogs Sergej Alexandrowitsch im Haus des Moskauer Generalgouverneurs. 1905

Die Frau von Sergej Alexandrowitsch, Großherzogin Elizaveta Feodorovna, war eine gebürtige deutsche Prinzessin und konvertierte nach ihrer Heirat zur Orthodoxie. Während ihres Lebens zeichnete sie sich durch Frömmigkeit und Barmherzigkeit aus, nach der Revolution wurde sie getötet und viele Jahre später — verherrlicht in den Reihen der heiligen neuen Märtyrer. Zwei Zeichnungen aus den Jahren 1904-1905 charakterisieren gut die Persönlichkeit dieser einzigartigen Frau, einer edlen Dame und zugleich einer Person mit den Eigenschaften einer Heiligen.

Gebetsecke im Schlafzimmer des Paares sehr gemütlich und geschmackvoll eingerichtet. In der Ecke — Traditionelle kanonische Ikonen in einem großen, geschnitzten, faltbaren Ikonenetui. Entlang der Wände — Gemälde zu religiösen Themen und Ikonen in Gemälderahmen. Es ist klar, dass die Gastgeberin sich der neuen Entdeckungen der christlichen Welt bewusst war — An der rechten Wand über allen Bildern befindet sich eine Kopie des Antlitzes Christi aus dem Turiner Grabtuch, das erstmals 1898 der Öffentlichkeit präsentiert wurde, nachdem fotografische Aufnahmen erhalten worden waren.

I.I. Nivinsky. Schlafzimmer des Großfürsten Sergej Alexandrowitsch und der Großfürstin Elisabeth Fjodorowna im Haus des Moskauer Generalgouverneurs. Ecke mit geschnitztem Ikonenkasten und Ikonen aus Eichenholz. 1904

Und das Boudoir der Großherzogin — ein Königreich aus Textilien und Licht, ein abgeschiedener, zutiefst persönlicher Raum. Die Wände sind mit farbigen Stoffen verkleidet, die Türen und Fenster sind mit Vorhängen umrahmt; Tisch, Sessel und Ottomane sind komplett mit Stoff umwickelt; Auf dem Boden liegt ein Teppich, eine Lampe in einem grünen „Rock“ mit Rüschen. Hier und da gibt es weiße, luftige Servietten mit Cutwork-Stickerei. Einen Kontrast dazu bildet der monumentale Schminktisch aus Holz, der rechts steht. Interessant ist das vertikale Gemälde über dem Gitter, das eher einem Poster oder einer großen Buchillustration ähnelt und ein russisches Dorf im Winter zeigt.

I.I. Nivinsky. Boudoir der Großfürstin Elisabeth Fjodorowna im Haus des Moskauer Generalgouverneurs. 1905

Übrigens sind in der Ausstellung nicht alle Werke aus dem Album der Innenräume des Fürstenpaares Sergej Alexandrowitsch und Elizaveta Fedorowna zu sehen. Der vollständige Zyklus ist im Ausstellungskatalog zu sehen.

Bevor wir zur Geschichte über das zweite Haus übergehen, das Gegenstand einer Reihe von Arbeiten ist, werfen wir einen Blick auf ein weiteres Büro. Es war unmöglich, vorbeizugehen und ihn nicht zu erwähnen. Das Büro-Bibliothek im Herrenhaus des Fabrikanten K.O. Girod in Moskau. Claudius Osipovich stammte aus Frankreich und gründete in Moskau eine Weberei, die später zu einer der größten in Russland wurde. Der Raum ist in seiner Möbelanordnung, Symmetrie und kompositorischen Ausgewogenheit tadellos. Jedes Objekt und jeder Gegenstand befindet sich am richtigen Ort und in einer klaren Verbindung mit anderen Objekten. Integrität wird auch dadurch erreicht, dass für Sofa, Stühle und Vorhänge der gleiche Stoff verwendet wird.

A. Teich. Bürobibliothek im Herrenhaus von K.O. Girod in Moskau. 1898

Prinzessin Zinaida Iwanowna Jussupowa, die Villa (Datscha), die der Künstler skizzierte, — Dabei handelt es sich nicht um die blauäugige Brünette aus Serows Porträt, sondern um ihre Großmutter. Sie ist außerdem eine unglaubliche Schönheit und eine kultivierte Aristokratin, die First Lady auf St. Petersburger Bällen. Luxuriös Datscha in Zarskoje Selo wurde vom Hofarchitekten I.A. erbaut. Monighetti ist im neobarocken Stil gehalten und die Innenräume sind in verschiedenen Stilen dekoriert. Der Autor des Albums mit Innenansichten ist einer der führenden Aquarellisten seiner Zeit, Wassili Sadownikow — auch ein Höfling, aber ein Künstler. Die Familie Jussupow war so einflussreich und wohlhabend, dass sie es sich leisten konnte, die Dienste von Spezialisten in Anspruch zu nehmen, die für die Kaiser arbeiteten.

V.S. Sadownikow. Wohnzimmer im chinesischen Stil. Villa (Datscha) von Prinzessin Z.I. Jussupowa in Zarskoje Selo. 1872

Sadovnikov arbeitete wie ein echter Profi. Zunächst fertigte er Bleistiftskizzen aller Innendetails an. Dann zeichnete er die Perspektive des Raumes und schuf eine allgemeine, universelle Perspektive, indem er sie aus mehreren Optionen synthetisierte. Dann zeichnete er eine Skizze des Innenraums und verteilte die Objekte präzise in einem neuen Bild, das aus mehreren Blickwinkeln „synthetisiert“ wurde, um eine maximale Abdeckung des Raums und das Fehlen von Verzerrungen zu erreichen. Ganz zum Schluss habe ich alles koloriert. Das Ergebnis war eine ideale Darstellung des Innenraums mit einem detaillierten Raumpanorama und der Korrektur geometrischer Verzerrungen.

Im Allgemeinen erstellte der Künstler manuell das, was man heute Panoramafotografie nennt, die aus einzelnen Fotos zusammengesetzt wurde, sowie digitale Bildkorrekturen, die mithilfe von Kompensationsalgorithmen in Grafikeditoren durchgeführt wurden.

V.S. Sadownikow. Wohnzimmer im Louis-StilXVI. Villa (Datscha) von Prinzessin Z.I. Jussupowa in Zarskoje Selo. 1872

Denken Sie daran, dass wir zu Beginn des Artikels versprochen haben, über einen weiteren sehr wichtigen Punkt zu sprechen: Warum konnte die Kamera des 19. Jahrhunderts Aquarell-Interieurs nicht besiegen? Genau deshalb. Das konnte die Kamera damals nicht. Ich konnte einen großen Raum nicht so weit wie möglich „erfassen“, eine ganzheitliche Perspektive ohne geometrische Verzerrungen schaffen oder das harmonische Erscheinungsbild jedes Objekts beibehalten. All dies wurde erst im digitalen Zeitalter mit dem Aufkommen von Fotonachbearbeitungsprogrammen möglich.

Und dann... Und dann liebten sie offenbar einfach ihre Häuser, die ungewöhnliche „innere“ Schönheit und die Dinge, die ihnen am Herzen lagen, — Es gefiel ihnen so gut, dass sie sich nicht mit Schwarz-Weiß-Konventionen und kleinen Fragmenten zufrieden geben wollten. Nein, wir brauchten Farbe und Luft und eine hohe Decke und eine Uhr am Kamin und Pflanzenkompositionen — alles aufs Maximum. Und da die Künstler talentiert waren, konnten sie es auch vermitteln — Dann manifestierte sich die Liebe zum Innenraum in ihrer Gesamtheit durch detaillierte Aquarell-„Porträts“. Wir können uns nur aufrichtig freuen, denn dank der Tatsache, dass das Genre der grafischen Inneneinrichtung nicht vom Fortschritt besiegt wurde, können wir uns auch nach Hunderten von Jahren noch an der Schönheit eines russischen Zuhauses erfreuen.

G.G. Gagarin. Eine Suite von Zimmern in einem unbekannten Herrenhaus. 1830-1840er Jahre

Ausstellung „Interieurs in der russischen Grafik des 19. – frühen 20. Jahrhunderts. Aus der Sammlung des Staatlichen Historischen Museums“ ist bis zum 28. November 2016 unter der Adresse: Moskau, Roter Platz, 1 geöffnet.

Der Wunsch, die Momente des Lebens festzuhalten, die einem Menschen oder der Welt um ihn herum widerfahren, gab es schon immer. Davon sprechen sowohl Höhlenmalereien als auch bildende Kunst. Bei den Leinwänden der Künstler wurde besonders Wert auf Genauigkeit und Detailtreue gelegt, die Fähigkeit, ein Objekt aus einem vorteilhaften Blickwinkel einzufangen, Licht zu erzeugen, die Farbpalette und Schatten zu vermitteln. Solche Arbeiten dauerten manchmal Monate. Dieser Wunsch sowie der Wunsch, den Zeitaufwand zu senken, wurden zum Anstoß für die Schaffung einer Kunstform wie der Fotografie.

Die Entstehung der Fotografie

Im 4. Jahrhundert v. Chr. bemerkte Aristoteles, ein berühmter Wissenschaftler aus dem antiken Griechenland, eine merkwürdige Tatsache: Das Licht, das durch ein kleines Loch im Fensterladen eindrang, wiederholte die Schatten auf der Wand der Landschaft, die außerhalb des Fensters sichtbar war.

Darüber hinaus taucht in den Abhandlungen von Wissenschaftlern aus arabischen Ländern ein Ausdruck auf, der wörtlich „dunkler Raum“ bedeutet. Es stellte sich heraus, dass es sich um ein Gerät in Form einer Kiste mit einem Loch in der Vorderseite handelte, mit dessen Hilfe es möglich wurde, Stillleben und Landschaften zu skizzieren. Später wurde die Box durch bewegliche Hälften und eine Linse verbessert, die eine Fokussierung auf das Bild ermöglichte.

Dank der neuen Funktionen wurden die Bilder viel heller und das Gerät wurde als „heller Raum“, also als Camera Lucina, bezeichnet. Mit solch einfachen Technologien konnten wir herausfinden, wie Archangelsk in der Mitte des 17. Jahrhunderts aussah. Mit ihrer Hilfe wurde eine Perspektive der Stadt erfasst, die sich durch Genauigkeit auszeichnete.

Entwicklungsstadien der Fotografie

Im 19. Jahrhundert erfand Joseph Niepce eine Methode der Fotografie, die er Heliogravüre nannte. Die Aufnahmen mit dieser Methode fanden bei strahlendem Sonnenschein statt und dauerten bis zu 8 Stunden. Sein Kern war wie folgt:

Eine Metallplatte wurde entnommen und mit Bitumenlack beschichtet.

Die Platte wurde direkt hellem Licht ausgesetzt, was ein Auflösen des Lacks verhinderte. Dieser Prozess war jedoch heterogen und hing von der Intensität der Beleuchtung in den einzelnen Bereichen ab.

Dann vergifteten sie ihn mit Säure.

Als Ergebnis aller Manipulationen erschien auf der Platte ein erhabenes, eingraviertes Bild. Der nächste bedeutende Schritt in der Entwicklung der Fotografie war die Daguerreotypie. Die Methode erhielt ihren Namen vom Namen ihres Erfinders Louis Jacques Mandé Daguerre, dem es gelang, ein Bild auf einer mit Joddampf behandelten Silberplatte zu erhalten.

Die nächste Methode war die von Henry Talbot erfundene Kalotypie. Der Vorteil der Methode bestand in der Möglichkeit, Kopien eines Bildes anzufertigen, das wiederum auf mit Silbersalz getränktem Papier reproduziert wurde.

Erste Bekanntschaft mit der Kunst der Fotografie in Russland

Die Geschichte der russischen Fotografie besteht seit mehr als anderthalb Jahrhunderten. Und diese Geschichte ist voller verschiedener Ereignisse und interessanter Fakten. Dank der Menschen, die die Kunst der Fotografie für unser Land entdeckt haben, können wir Russland durch das Prisma der Zeit sehen, wie es vor vielen Jahren war.

Die Geschichte der Fotografie in Russland beginnt im Jahr 1839. Damals ging ein Mitglied der Russischen Akademie der Wissenschaften, I. Gamel, nach Großbritannien, wo er die Kalotypie-Methode kennenlernte und sie eingehend studierte. Anschließend schickte er eine detaillierte Beschreibung. So entstanden die ersten Fotografien mit der Kalotypie-Methode, die noch heute in einer Menge von 12 Stück in der Akademie der Wissenschaften aufbewahrt werden. Die Fotos tragen die Signatur des Erfinders der Methode, Talbot.

Danach trifft Gamel in Frankreich auf Daguerre, unter dessen Anleitung er mehrere Fotos mit eigenen Händen macht. Im September 1841 erhielt die Akademie der Wissenschaften einen Brief von Gamel, der nach seinen Worten das erste Foto aus dem Leben enthielt. Das in Paris aufgenommene Foto zeigt eine weibliche Figur.

Danach begann die Fotografie in Russland an Dynamik zu gewinnen und entwickelte sich rasant. Zwischen dem 19. und 20. Jahrhundert begannen Fotografen aus Russland allgemein an internationalen Fotoausstellungen und Salons teilzunehmen, wo sie prestigeträchtige Auszeichnungen und Preise erhielten und Mitglied in den entsprechenden Gemeinschaften waren.

Talbot-Methode

Die Geschichte der Fotografie in Russland entwickelte sich dank Menschen, die sich sehr für die neue Kunstform interessierten. So auch Julius Fedorovich Fritzsche, ein berühmter russischer Botaniker und Chemiker. Er war der erste, der Talbots Methode beherrschte, die darin bestand, ein Negativ auf lichtempfindlichem Papier herzustellen und es dann auf ein mit Silbersalzen behandeltes und im Sonnenlicht entwickeltes Blatt zu drucken.

Fritzsche machte die ersten Kalotypie-Fotografien von Pflanzenblättern und legte anschließend im Mai 1839 der Akademie der Wissenschaften in St. Petersburg einen Bericht vor. Darin berichtete er, dass er die Kalotypie-Methode für die Erfassung flacher Objekte geeignet fand. Die Methode eignet sich beispielsweise dazu, Originalpflanzen mit der von einem Botaniker geforderten Genauigkeit zu fotografieren.

Beitrag von J. Fritzsche

Dank Fritzsche ging die Geschichte der Fotografie in Russland etwas weiter: Er schlug vor, das Natriumhyposulfat, das Talbot zur Entwicklung von Bildern verwendete, durch Ammoniak zu ersetzen, was die Kalotypie erheblich modernisierte und die Bildqualität verbesserte. Yuliy Fedorovich war auch der erste im Land und einer der ersten weltweit, der Forschungsarbeiten zu Fotografie und Fotokunst durchführte.

Alexey Grekov und der „Kunststand“

Die Geschichte der Fotografie in Russland ging weiter und Alexey Grekov leistete seinen nächsten Beitrag zu ihrer Entwicklung. Als Moskauer Erfinder und Graveur war er der erste russische Meister der Fotografie, der sowohl die Kalotypie als auch die Daguerreotypie beherrschte. Und wenn Sie fragen, was die ersten Kameras in Russland waren, dann kann man Grekovs Erfindung, den „Kunstraum“, als solche betrachten.

Die erste Kamera, die er 1840 entwickelte, ermöglichte die Aufnahme hochwertiger Porträtfotos mit guter Schärfe, was vielen Fotografen, die dies versuchten, nicht gelang. Grekov entwickelte einen Stuhl mit besonders bequemen Kissen, die den Kopf der fotografierten Person stützten und es ihr ermöglichten, bei langem Sitzen nicht zu ermüden und eine bewegungslose Position beizubehalten. Und eine Person auf einem Stuhl musste lange Zeit bewegungslos sein: 23 Minuten in der strahlenden Sonne und an einem bewölkten Tag – alle 45.

Grekov, ein Meister der Fotografie, gilt als Russlands erster Porträtfotograf. Auch das von ihm erfundene Fotogerät, bestehend aus einer Holzkamera, in die kein Licht eindringt, verhalf ihm zu wunderschönen Porträtfotos. Gleichzeitig könnten die Kisten aber auch auseinandergleiten und wieder an ihren Platz zurückkehren. An der Vorderseite des äußeren Kartons befestigte er eine Linse, die eine Linse war. Die innere Box enthielt eine lichtempfindliche Platte. Durch Verändern des Abstands zwischen den Kästchen, also durch Verschieben voneinander oder umgekehrt, konnte die nötige Bildschärfe erreicht werden.

Beitrag von Sergei Levitsky

Der nächste Mensch, dank dem sich die Geschichte der Fotografie in Russland rasant weiterentwickelte, war Sergej Levitsky. Von ihm im Kaukasus angefertigte Daguerruptypen von Pjatigorsk und Kislowodsk tauchten in der Geschichte der russischen Fotografie auf. Und auch eine Goldmedaille bei einer Kunstausstellung in Paris, wo er seine Fotografien zur Teilnahme am Wettbewerb einschickte.

Sergei Levitsky gehörte zu den Vorreitern der Fotografen, die vorschlugen, den dekorativen Hintergrund für die Dreharbeiten zu ändern. Sie beschlossen außerdem, Porträtfotos und deren Negative zu retuschieren, um etwaige technische Mängel zu reduzieren oder ganz zu beseitigen.

Levitsky reiste 1845 nach Italien und beschloss, sein Wissen und seine Fähigkeiten auf dem Gebiet der Daguerreotypie zu verbessern. Er fotografiert Rom sowie Porträts russischer Künstler, die dort lebten. Und 1847 entwickelte er ein Fotogerät mit Faltenbalg, wobei er zu diesem Zweck Akkordeonbälge verwendete. Durch die Innovation wurde die Kamera mobiler, was sich stark auf die Erweiterung der fotografischen Möglichkeiten auswirkte.

Sergei Levitsky kehrte als professioneller Fotograf nach Russland zurück, nachdem er in St. Petersburg seine eigene Daguerreotypie-Werkstatt „Svetopis“ eröffnet hatte. Mit ihr eröffnet er außerdem ein Fotostudio mit einer reichen Sammlung fotografischer Porträts russischer Künstler, Schriftsteller und Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens. Er gibt das Studium der Fotografie nicht auf und erforscht weiterhin experimentell die Verwendung von elektrischem Licht und seine Kombination mit Sonnenlicht sowie deren Einfluss auf Fotografien.

Russische Spur in der Fotografie

Künstler, Meister der Fotografie, Erfinder und Wissenschaftler aus Russland haben einen großen Beitrag zur Geschichte und Entwicklung der Fotografie geleistet. So sind unter den Entwicklern neuer Kameratypen russische Namen wie Sreznevsky, Ezuchevsky, Karpov, Kurdyumov bekannt.

Sogar Dmitri Iwanowitsch Mendelejew beteiligte sich aktiv daran und beschäftigte sich mit theoretischen und praktischen Problemen beim Fotografieren. Und zusammen mit Sreznevsky standen sie am Anfang der Gründung einer Fotoabteilung der Russischen Technischen Gesellschaft.

Die Erfolge des brillanten Meisters der russischen Fotografie, der mit Levitsky auf eine Stufe gestellt werden kann, Andrei Denyer, sind weithin bekannt. Er war der Schöpfer des ersten Fotoalbums mit Porträts berühmter Wissenschaftler, Ärzte, Reisender, Schriftsteller und Künstler. Und der Fotograf A. Karelin wurde europaweit bekannt und ging als Begründer des Genres der Alltagsfotografie in die Geschichte der Fotografie ein.

Entwicklung der Fotografie in Russland

Das Interesse an der Fotografie wuchs Ende des 19. Jahrhunderts nicht nur in der Fachwelt, sondern auch in der breiten Bevölkerung. Und 1887 erschien das „Photographic Bulletin“, eine Zeitschrift, die Informationen über Rezepte, chemische Zusammensetzungen, Fotoverarbeitungsmethoden und theoretische Daten sammelte.

Doch vor der Revolution in Russland stand die Möglichkeit, sich mit künstlerischer Fotografie zu beschäftigen, nur wenigen Menschen zur Verfügung, da praktisch keiner der Erfinder der Kamera die Möglichkeit hatte, diese im industriellen Maßstab herzustellen.

Im Jahr 1919 erließ W. I. Lenin ein Dekret über die Übergabe der Fotoindustrie an das Volkskommissariat für Bildung, und im Jahr 1929 begann die Herstellung lichtempfindlicher Fotomaterialien, die später für jedermann zugänglich wurden. Und bereits 1931 erschien die erste heimische Kamera „Fotokor“.

Die Rolle russischer Meister, Fotokünstler und Erfinder bei der Entwicklung der Fotografie ist groß und nimmt einen würdigen Platz in der Weltgeschichte der Fotografie ein.

Foto von Roger Fenton

Künstler reagierten unterschiedlich auf die Erfindung der Fotografie. Der größte Stolperstein in der Debatte über den künstlerischen Charakter der Fotografie und die Rolle des Fotografen als Künstler, als Schöpfer eines Kunstwerks, war die außergewöhnliche Genauigkeit bei der Wiedergabe von Details, eine Genauigkeit, mit der der geschickteste Maler nicht mithalten kann. Einige begrüßten die Lichtmalerei mit Begeisterung, andere hingegen sahen in der Kamera ein Objekt, das die Realität ohne den Einsatz menschlicher Hände leidenschaftslos aufzeichnet. Aber zu Beginn ihrer Existenz erhob die Fotografie keinen Anspruch darauf, ein Kunstwerk zu sein, und bis zum Ende der 1840er Jahre war es unmöglich, von absichtlicher fotografischer Kreativität zu sprechen.

Die Entwicklung fotografischer Techniken wirkte sich jedoch positiv auf die Einstellung der Künstler zur Lichtmalerei und den ersten Versuchen, fotografische Kunstwerke zu schaffen, aus. Künstlerkreise reagierten mit Zustimmung auf das Aufkommen der Methoden von I. Bayard und G. F. Talbot in den frühen 1840er Jahren. Zahlreiche fotografische Gesellschaften, die in den 1850er Jahren von bedeutenden englischen und französischen Fotografen gegründet wurden, führten den Kampf für die Kunst der Fotografie an. Auf Initiative fotografischer Gesellschaften wurden die ersten Ausstellungen zum Thema Fotografie organisiert und die ersten Fotozeitschriften herausgegeben.

1851 wurde in Frankreich die Heliographic Society gegründet, deren Gründer der Maler E. Delacroix war. Drei Jahre später wandelte sich dieser Verein in die Französische Gesellschaft für Fotografie um, die noch heute besteht. England leistete einen unschätzbaren Beitrag zur Entwicklung der künstlerischen Fotografie, wo 1853 die London Photographic Society gegründet wurde und etwa zur gleichen Zeit die Bewegung „Für die hohe Kunst der Fotografie“ entstand. Zeitgenossen dieser Bewegung waren die Präraffaeliten, die die Lichtmalerei gerade wegen ihrer hohen Genauigkeit bewunderten, die damals als Nachteil der künstlerischen Fotografie galt.

Einige Künstler interessierten sich ernsthaft für das neue Produkt, darunter D. Ruskin, D. G. Rossetti und J. Ingres. Allerdings verloren viele Menschen später auch nur eine Spur ihrer anfänglichen Bewunderung. So schrieb beispielsweise D. Ruskin, der das Aufkommen der Fotografie in den 1840er Jahren sehr schätzte, 1870 in seinen „Lectures on Art“: „...Fotografien sind den schönen Künsten in keiner Weise überlegen, weder an Qualität noch an Nützlichkeit, weil Per Definition ist Kunst „menschliche Arbeit“, geleitet von menschlicher Absicht.“

Im 19. Jahrhundert versuchte die künstlerische Fotografie, die Malerei in der klassischen Komposition von Landschaften, Stillleben und Porträts zu imitieren; Ebenso wie die Malerei ließ sie sich von Legenden inspirieren (z. B. Fotografien der Präraffaeliten und ihnen nahestehender Fotografen) und schuf allegorische Kompositionen (besonders erfolgreich war der Engländer O. G. Reilander in diesem Genre). Die Nachahmung der Malerei diente Fotokünstlern in vielerlei Hinsicht als einzigartige Form des Protests gegen die direkte Aufzeichnung von Ereignissen, das naturalistische Kopieren der Realität mittels fotografischer Technologie. Maltechniken sind für die Fotografie zu einer Möglichkeit geworden, in Gemälden Kunstfertigkeit und Bildhaftigkeit zu erzielen.

Mitte der 1920er Jahre hatten die malerischen (die Malerei imitierenden) Strömungen ihr ästhetisches Potenzial ausgeschöpft. Nach und nach fand die Fotografie ihre eigenen Ausdrucksmittel: Die bereits 1851 erfundene Fotomontage ermöglichte die Verwirklichung der kühnsten Ideen der Autoren, und in den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts begannen Fotografen, aktiv mit Blickwinkeln zu experimentieren.